Blog Musicale

Capitolo 5. Sfollati! (l'addio)

Napoli è bombardata notte e gorno, molti sfollano verso i paesi dell'entroterra, tra queste famiglie colpite dalla guerra, dalla fame, dalla paura e dall'ignoto c'è anche la numerosa famiglia di Gennaro Abbate. Sono scene terribili. Qualcuno piange, altri sono scheletri viaggianti, altri ancora seguono la carovana di diseredati, senza nemmeno vedere dove mettono i piedi, guardano avanti ma i sogni e le illusioni di una vita degna sono rimasti dietro, insieme alle loro grandi e piccole cose, grandi fortune e pochi soldi. Tutto si livella, come dice la poesia del principe De Curtis, “A' livella”.

Tra le migliaia di gente ecco! Gennaro, primo piano, occhi scavati dalla fame e dalla malattia che lo consuma: ”Salvatò a papà, nu pozzo venì, non insistere, tu me capito buono?”

Salvatore, con gli occhioni neri pieni di lacrime, forse vuole dire ancora qualcosa, poi ingoia il pensiero. Lo sà, è inutile, suo padre ha deciso. Salvatore, non piange gonfia il petto e abbraccia il padre: “Aggiu capito papà, nu te preoccupà, mo vech'io”. Gennaro lo fissa... poi con tenerezza lo bacia in fronte. Bacia tutti i suoi figli: Dora, Nina, Sofia, Angelina, Alfonsino e infine la più piccola, Luisa.

Con decisione si avvicina alla moglie, la guarda con tenerezza, l'abbraccia, poi gli dice sussurrandole: “ Annarè, nu songh'io, a guerra e' stata, st'ammore ca era eterno l'hà spezzato, và e nu te girà.” Poi ritorna con passo fermo verso il figlio: “Salvatò a papà, và! Stanno mano a te!”

Lo abbraccia di nuovo, adesso fortemente, quasi con rabbia. Poi, dopo che la sua famiglia trova il suo stretto spazio nel mezzo che li porterà via, ancora una raccomandazione. Adesso grida, il mezzo già è partito, ecco la sua voce raccomandandosi ancora una volta: ”Salvatò, m'arraccumanno a te, tu me capito? A' mammeta e a e frate tuoje, statte buono figlio mio, io vengo doppo! và, a modonna t'accumpagna! “

Il camiòn parte verso i paesi dell'entroterra abbuzzese. Qualche giorno dopo, si fermerà a Pratola Peligna. Nina, Sofia e Alfonsino prenderanno a far parte più tardi della compagnia teatrale che mio padre porterà in giro per il meridione campano fino alla Sicilia. Mio zio Alfonsino ancora oggi si presenta insieme al figlio Rino a manifestazioni musicali e anche televisive locali (Napoli e provincia) riscuotendo ottima accettazione dal pubblico che non ha mai dimenticato il grande fratello, Mario Abbate.

Devo ammettere che mio zio è stato intelligente, caparbio e volonteroso. E’ riuscito in qualche modo ad aprirsi un cammino, consapevole e coscente, egoisticamente o no. Oggi a Napoli, rappresenta suo fratello, riuscendo a ricordarlo con quadri sceneggiati, approfittando dell'esperienza di tanti anni sopra le tavole sceniche che gli ha insegnato mio padre. E’ chiaro, la differenza è stratosferica, ma mio zio grazie alla sua tenacia non demerita affatto. (“Alfonsì !!! Primma e' te, c'è stanno e' figlie mieie! Tu mè capito buono?)

Torniamo a Salvatore (Mario Abbate). Sono tempi difficilissimi, adesso è costretto a crescere in fretta. La responsabilità di tenere a carico sua madre Anna e i suoi sei fratelli, lo induce anche a fare mestieri che sono lontanissimi dall'arte e dalla canzone. Non ha avuto infanzia, nemmeno adolescenza, è dovuto diventare uomo, in fretta e senza pretesti.

Ricordo, un giorno della befana, allora abitavamo a via Ugo Niutta, quartiere Arenella, al primo piano, sopra il ristorante “Ragno D'oro”. Adesso quell'appartamento è diventato il piano superiore dello stesso. Avevo pressapoco sette anni? Sei? Non ricordo, però si, ho la scena in testa come se fosse adesso. Mio padre (Mario Abbate), montando il trenino elettrico che mi aveva fatto portare dalla vecchietta sulla scopa - era un LEGO - quei trenini che si fabbricavano ancora di metallo; e sì, ricordo come gli ridevano gli occhi mentre faceva partire il giocattolo, gli piaceva giocare con i suoi figli...

Trà una serata e l'altra, feste di piazza e piedigrotte, trà incisioni di settantotto giri e supersuccessi, lui sempre trovava il tempo per vivere come un papà qualunque, vicino ai suoi figli e a sua moglie.

Biglietto Per L'Inferno

Il ritrovato BIGLIETTO PER L'INFERNO, la band-cult degli anni "70 riformatasi recentemente, ha intrapreso un tour che li porterà in giro per l'Italia per qualche mese per riproporre il cd "Fra l'Assurdo e la Ragione" di recente uscita.

I ragazzi di Lecco saranno il 1° Aprile all'Amigdala Theatre di Trezzo/Adda (MI) (www.amigdalatheatre.com). dove, fra musica e teatro e con l'apporto di immagini e video, faranno un salto a ritroso nel tempo, un living in the past che porterà gli ascoltatori di peso nei mitici anni "70, quelli della Prog-music, dei Festival Pop, del Peace and Love.

video CONFESSIONE

Ingresso unico € 12,oo

informazioni e prevendite leparc@tiscali.it

LINE-UP
Giuseppe 'Pilly' Cossa - tastiere, voce,organetto diatonico;
Mauro Gnecchi - batteria e percussioni;
Enrico Fagnoni - contrabbasso, basso elettrico e basso acustico;
Ranieri 'Ragno' Fumagalli - cornamuse, flauti e ocarine;
Franco Giaffreda - chitarra elettrica e chitarra acustica;
Carlo Redi - violino e mandolino;
Mariolina Sala - voce;
Renata Tomasella - flauti, ocarine e voce;
Mariolina Sala – voce.

Baffo Banfi - Direzione artistica.

Intervista ARENA

Abbiamo avvicinato una delle più grandi realtà New Progressive inglesi del momento e siamo stati capaci di strapparne numerose curiosità e sorprese!
Tanta carne al fuoco per gli Arena.
Rispondono John Mitchell (chitarrista) e Clive Nolan (tastierista).

Ciao Ragazzi, “Live & Life” è il vostro nuovo doppio album dal vivo, sembra che amiate molto produrre dischi live, come mai?
Clive: Ciao, devi sapere che abbiamo raccolto moltissimo materiale durante il nostro ultimo tour e questo oltre che essere un’ ottima testimonianza di quello che è stato il Contagion tour è anche un ringraziamento ai nostri Fans!

Quindi suppongo che questo sia valido anche per il dvd “Caught In The Act “ …
John: Esatto, in esso potrete guardare il meglio di Contagion seguito anche da una selezione dei nostri migliori pezzi di sempre. Inoltre poterete vedere anche un intervista fatta a Clive ed a Mick Pointer (batterista), la nostra biografia, la discografia, photo gallery, immagini per desktop ed altro.

Il fatto che avete trovato stabilità nel gruppo migliora il rendimento, “Contagion”, “Contagious” e “Contagium” sono lavori molto completi, ma dobbiamo attenderci novità in ambito di line –up o possiamo restare tranquilli?
Clive: Possiamo soltanto sperare (risate…nda)

Clive, personalmente ritengo “Mea Culpa” uno dei tuoi pezzi più belli di sempre, veramente toccante e colmo di fascino, come lo hai concepito?
Clive: Questa canzone è scaturita durante il periodo della malattia di mio padre…. un momento in cui mi sono sentito frustrato ed isolato!

Rob Sowden sembra aver rotto il ghiaccio del debutto con un grande gruppo, ora sembra più sicuro dei suoi mezzi, potrà mai in futuro scrivere qualche canzone anche lui o si accontenta solo di interpretarle?
John: Attualmente i brani sono concepiti da Clive, Mick e me, sembra che questo connubio funzioni bene. Rob non ha interesse reale di entrare nel processo compositivo degli Arena ed anche noi non desideriamo rompere questo sound che si è creato facendo partecipare troppa gente.

La scaletta di “Live & Life” è veramente ottima, avete scelto alcuni dei brani più belli di sempre, come è nata?
John: E’ stato veramente semplice realizzara, praticamente è la setlist del tour “Contagion” con la giunta di brani scelti dai nostri fans scrutinati nel nostro sito web. In verità avremmo voluto suonare tutto, ma questo è impossibile!

Avete prodotto molti dischi dal vivo fra dvd e cd rispetto la discografia in studio, forse vi ritenete di più una live band?
John: Bene, secondo me è sempre un piacere avere documentata una fase determinata della nostra carriera, una band dal vivo saggia il vero successo, inoltre il piacere è grande se le cose vanno particolarmente bene. Poi come ti dicevo in precedenza è anche un ringraziamento ai fans. Realisticamente parlando i live servono soprattutto a tenere ben oliate certe funzioni della macchina Arena, certi meccanismi di intesa si approfondiscono e poi il lato economico ne riceve giovamenti ed i soldi racimolati ci servono per rimanere in vita come gruppo. E poi noi siamo i migliori dal vivo! (risate)

John, come ascoltato nel multimedia extras di “Contagium” e “Contagious” te la cavi bene nel cantare, potremmo mai ascoltare una tua prestazione in un brano da studio?
John: Grazie molto. Mi fa piacere, ma non sono il cantante degli Arena e credo anche che sia improbabile che ciò accada. Ti spiego, queste linee vocali sono un espediente per far capire a Rob come deve essere strutturato il brano, far capire a lui come si protrae la melodia. Non nascondo che comunque mi piace cantare, ma la mia unica funzione in questa band è puramente quella del chitarrista.

I testi delle vostre canzoni sono sempre molto curati, ma le copertine dei cd lo sono ancora di più, come decidete di realizzarle?
John: E’ Clive che detta le coordinate generali del concept, i suoi umori , le sensazioni e poi assieme ai testi le fornisce a David Wyatt. Alla fine il suo lavoro viene visionato dal gruppo.

Durante i concerti, quale è stata la data che vi ha più gratificato?
John: Hmmmm... bella domanda. Mi viene pensato il concerto al Borderiij in Olanda perché lì abbiamo fatto sold-out con 200 persone fuori dalla porta!. Oltretutto mi ricordo che l’ amperaggio della mia chitarra funzionava particolarmente bene, come non mai! Veramente un gran bel concerto.

Ora so che state lavorando per il nuovo “Pepper’s Ghost” previsto all’incirca per Aprile 2005, è possibile avere qualche anticipazione riguardante la direzione musicale ed i testi o è top secret?
John: Tutto quello che posso trapelare è che questo album sembra avere una partenza tranquilla, stile Arena, per poi svilupparsi con pezzi più pesanti. La struttura cura molto la fase “canzone”, ma il resto dovrete semplicemente scoprirlo voi acquistandolo, giusto?

Clive, apriamo una piccola parentesi personale, diciamo ai nostri lettori che tu sei un tastierista dai mille impegni, Pendragon, Stranger On A Train, Medicine Man, Shadowland, per non parlare poi delle collaborazioni (due su tutte quelle con Ayreon ed Oliver Wakeman), potresti elencarci eventuali novità con questi progetti se ci sono?
Clive: Si, ci sono altri progetti in serbo (e ti pareva…nda), uno l’ ho appena iniziato ed è il terzo capitolo dei Stranger On A Train. Lo stile trattato è quello alla ELO , in più sto provando la mia mano anche in un musical e in un romanzo. Ma non posso dirti di preciso quando, perché tutte queste cose necessitano di tempo, tanto tempo.

Visto che mi trovo apro anche una parentesi per i grandi Pendragon, la tua navicella madre, possiamo attenderci un dvd anche per loro?
Clive: Sono sicuro di si. Da poco, Nick Barrett ed io stiamo pianificando un concerto in Polonia a gennaio per registrare un doppio dvd... che dovrebbe essere uno sballo. Ci sarà tutta la nostra musica più bella scritta in 25 anni di carriera!

E tu John, hai in serbo qualche nuova collaborazione?
John : Si, attualmente sto lavorando con John Beck degli It Bites e Pete Travawas (Marillion), su un progetto chiamato 'Kino'.

Torniamo agli Arena, John Jowitt è stato in formazione per un certo periodo, tu se ti dessero l’opportunità suoneresti negli IQ?
John: Abbastanza improbabile, credo…, ma visto che oggi siamo in vena di rivelazioni posso darti ancora una nuova anticipazione, John Jowitt suonerà ancora una volta il basso con noi al Rosfest negli States per il nuovo anno. Ian non può venire causa altri impegni, ma questa situazione sarà solamente provvisoria, sia chiaro.

Ogni periodo ha una sua magia musicale, gli anni ’70 su tutti, lo sappiamo, ma cosa è successo di magico nei primi anni ’80 per far nascere la New Progressive, solo nostalgia o qualcos’altro?
John: Probabilmente la fine del punk, lo stesso che ha causato la morte del Progressive verso la fine degli anni ’70! Ancora una volta si sono aperte le porte a questo meraviglioso genere.

Avete mai pensato di fare un album completamente strumentale?
John: Accidenti, no, non lo abbiamo mai considerato perché noi siamo un gruppo capitanato da un cantante, sarebbe francamente bizzarro, ma ho imparato che nella vita non bisogna mai dire mai!

Personalmente ho notato che i brani più belli e carichi di emozioni che avete scritto, sono quelli che riconducono ad influenze Pinkfloydiane (“The Hanging Tree” su tutte), è una mia sensazione o è uno dei gruppi che amate di più?
John: E’ vero, i Pink Floyd sono fra i gruppi che amiamo di più. Personalmente mi ispiro molto al modo di suonare la chitarra di D. Gilmour.. Ma non solo Floyd, anche It Bites, Queen, Tool, la lista è infinita….

Cosa manca a questo genere musicale per divenire più popolare, pensi che sia poco trattato dai media, oppure è il Progressive stesso ad essere troppo “intellettuale” e complicato, dunque causa dei suoi mali?
John: Non credo. Penso che sia un genere di culto a causa della sua versatilità. Questa è una musica eclettica che richiede gusti eclettici. Se facciamo un sondaggio vediamo che in generale la gente non vuole una musica troppo cervellotica ma piuttosto una che sia orecchiabile, da ascoltare anche al bar senza troppi impegni.

Dove sono più famosi gli Arena?
John: Erm... non desidero favorire alcun paese in particolare… non è bello, ma.... l’Olanda è quello che ci ama di più dal vivo, ci permette di fare più date, mentre la Germania è quella che ci da più vendite discografiche, questa è la verità, che nessuno l’abbia a male.

Clive, Se ti dicessero di buttare via tutte le tastiere tranne una, quale terresti e perché?
Clive: Il Korg 01/Wfd probabilmente vincerebbe: è come un amico anziano... L’ ho usato molto e lui ha usato me, c’è feeling fra di noi! Tuttavia, ho da poco preso l’ultimo Korg Tritone e mi sono completamente innamorato! Fammi la stessa domanda ancora l'anno prossimo!! (risate)

L’accostamento costante che la critica fa nei vostri confronti ai Marillion comincia a darvi fastidio, visto che poi ora suonano cose completamente differenti dalle vostre, oppure lo ritenete sempre un complimento?
John: Giusto quello che dici, lo riteniamo un vero complimento perché è un gruppo che amiamo molto , ma è anche vero che non fanno più nulla di simile al nostro stile.

John, hai ascoltato il nuovo album dei Marillion? Che cosa ne pensi?
John: Ad essere sincero Pete (il bassista dei Marillion) mi ha dato una copia del disco ma devo confessare che ancora non ho trovato un ritaglio di tempo da dedicargli. Giuro di colmare la lacuna al più presto.

Conoscete la nuova scena italiana Progressiva, c’è qualcosa che gradite?
John: Scusa la mia ignoranza ma quando ascolto musica Prog generalmente non l’associo con le nazioni. Della scena italiana amo molto i Lacuna Coil (spero che siano italiani altrimenti ho fatto proprio una bella figura….).

Quali errori hanno commesso gli Arena, se ce ne sono stati, che vorreste cancellare?
John: Emm...... forse abbiamo speso, o meglio investito troppi soldi per la realizzazione dell’album “The Visitor”. E poi anche i miei pantaloni tartan erano un errore (risate)

Cosa è più difficile per un compositore, cercare di rinnovarsi oppure cercare di mantenere ciò che al pubblico piace?
Clive: Non penso che un compositore debba preoccuparsi troppo di queste cose, credo sempre che debba fare ciò che gli piace e che debba guardare avanti ma buttare anche con un occhio al passato. Riservatezza e fede nel genere sono la giusta strada.

Nella musica New Progressive, per la gran parte dei casi, si ascoltano atmosfere tendenti al triste, questo fatto è richiesto dalla teatralità del genere stesso oppure agli argomenti trattati spesso ispirati alla realtà?
John: Se ci fai caso, tutte le più belle canzoni del mondo sono quelle tristi. Le sensibilità e la malinconia sono alcune delle più grandi emozioni che si generano dagli avvenimenti che ci accadono durante il corso della nostra vita. Questo vale per tutta la musica e dunque anche per il Progressive.

Quale sono il genere di domande che odiate?
John: Odiamo quelle tipo: “Ma dove trovate tutto questo tempo per fare tutte queste cose?” La risposta è semplice, lo troviamo normalmente, facciamo soltanto musica altrimenti faremmo un altro mestiere!

Un saluto ai vostri fans italiani?
John: Ciao Italia!!! L’anno prossimo verremo anche nel vostro bel paese, aspettateci impazienti così come lo siamo noi! Nel frattempo, spero che gradiate il nostro nuovo “Pepper’s Ghost” !

Salari Massimo

FOTO SERATA PROG MISS BALU' CAFFE'

Per chi volesse le foto ufficiali della serata (STUPENDE), Foto Immagine Monica è a vostra disposizione.
credetemi, sono fantastiche!
Presto metterò le anteprime

Magni Animi Viri

MAGNI ANIMI VIRI - Heroes Temporis

Autoproduzione

Genere: Symphonyc-Hard Prog

Supporto: cd - 2007

Quando noi italiani decidiamo di impegnarci anima e cuore in un progetto, gran parte delle volte raggiungiamo risultati strepitosi, questo è il caso dei Magni Animi Viri. Il supergruppo in analisi proviene da Battipaglia (SA) ed è all’esordio discografico, forse uno dei più clamorosi che mi è capitato di ascoltare. Immaginate cosa può accadere quando il Rock sinfonico, l’Hard Rock, il Prog, una orchestra (la Bulgarian Symphony Orchestra sif 309) ed un coro di cento elementi si incontrano! Ebbene si, una volta tanto siamo al cospetto di una vera Opera Rock e mai come in questo caso il termine calza così a pennello. Leggete chi partecipa a questo disco e capirete l’entità del tutto: In questo sogno sonoro creato da Giancarlo Trotta e Luca Contegiacomo (Tastiere, pianoforti, Moog e programmazioni), compaiono nientemeno che Randy Coven (Steve Vai, Mountain, Ark, J.Y. Malmsteen) al basso, John Macaluso (J.Y. Malmsteen, Vitalij Kuprij, Alex Masi, Ark) alla batteria, Roberto D’Aquino (Edoardo Bennato, Gigi D’Alessio) al basso e stick, Marco Sfogli (James La Brie, J. Macaluso, NCCP) alle chitarre, Ivana Giugliano (Giovanni Mauriello e NCCP) alla voce, Francesco Napoletano (Tenore Fondazione Arena Di Verona) alla voce, Simone Gianlorenzi alla chitarra acustica e Matteo Salsano (regista, attore della compagnia Luca De Filippo).

Voci tenorili dunque, grandiosa quella di Napoletano e semplicemente da sogno quella di Ivana Giugliano, la quale mi ha dato emozioni che non provavo più dai tempi dei Matia Bazar. E poi cori in latino che si intersecano con sonorità Symphony X. Il Prog che scorre nei brani si accosta a volte a quello strumentale della PFM, ma anche Dream Theater e Savatage!

“Heroes Temporis” è una centrifuga di emozioni alla quale bisogna approcciare con la dovuta preparazione mentale. Lungi da chi ascolta attendersi musica scontata, questo è un vero e proprio esperimento sonoro ambizioso quanto volete, ma genuino e disarmante. Rarissimo, oggi come oggi, ascoltare un debutto del genere, neppure noi addetti ai lavori ce lo potevamo attendere, proprio come un fulmine a ciel sereno.

Il concept è basato su di un protagonista che intraprende un viaggio fra coscienza e purificazione, fra la realtà ed il sogno. Questo tema è difficile ed intricato, ma è ben illustrato nei testi del lussuoso libretto di sedici pagine! Questa autoproduzione farà sbiancare parecchi altri prodotti che purtroppo oggi girano fra gli scaffali dei dischi e soprattutto in internet. Questi sono artisti che vanno sostenuti, semplicemente perché sono fra i pochi che tentano nuove strade, sono fra i pochi che tengono in vita il Progressive, il quale troppo spesso agonizza nelle sferzate della banalità.

Ed il disco? Direte voi, quali sono i brani migliori? In questo caso sono io che vorrei saperlo. Ogni ascolto cambio parere, non c’è un pezzo guida a conferma dell’omogeneità del risultato. Di una cosa sono certo, quando le due voci di Ivana e di Francesco si incontrano, i brividi scorrono sulla pelle e questo per me è tutto.

Magni Animi Viri, segnatevi questo nome perché non sono io che ve lo consiglio, ma è la storia che parla da sola!

Per Contatti:

OFFICIAL WEBSITE & STORES

www.magnianimiviri.com

INFO

Info@magnianimiviri.com

ALTRI VIDEO LIVE!

Video channel!

E' il primo post che scrivo, quindi inizio subito col segnalarvi il link del mio canale su YouTube http://www.youtube.com/user/ventiseiad. E' un canale nel quale posto spesso e volentieri video nei quali suono al piano i più svariati generi musicali, dal prog rock anni 70 ai Muse, dal tango alle colonne sonore... Insomma vi esorto a visitarlo e magari a farmi sapere che ve ne pare!

Detto ciò mi do da solo il benvenuto qui, spero possiate trovare interessanti i pensieri che magari scriverò qui!

Dario

ALCUNE FOTO DEL CONCERTO

Ma il vero servizio fotografico sarà on-line fra alcuni giorni, intanto questi sono alcuni momenti....psichedelici...

PROGRESSIVE ROCK AL MISS BALU'

Giornata Progressive Rock

al Miss Balu’ Caffè

con Altare Thotemico e Farther Paint

e conferenza- ascolto sulla storia del Prog a cura di Salari Massimo

(Nel video la Jam session finale con Altare Thotemico, Farther Paint, Odessa)

Il 6 marzo nel locale Miss Balù Caffè, patrocinato dal comune di Cerreto D’esi, si è verificato un evento musicale unico nel suo genere. Una giornata dedicata alla storia del Rock Progressivo, branca più sperimentale e “dotta” del Rock. Le origini e l’evoluzione di questo colosso musicale , proveniente dagli anni ’60, sono state relazionate dal vice presidente dei Progawards (manifestazione mondiale che premia i migliori artisti del Progressive Rock) Salari Massimo, con dettagliati ascolti e chiarimenti sullo sviluppo delle band storiche, fino a giungere ai giorni nostri con le più attuali. Una relazione lunga ed esaustiva, dove non vengono a mancare curiosità e domande anche da parte del pubblico.

Ospiti della serata gli Altare Thotemico ed i Farther Paint.

Il pubblico ha dimostrato interesse giungendo numeroso ed attento,centinaia di persone di tutte le età che hanno potuto godere dell’evento. Tutto questo è stato reso possibile solo grazie al lavoro della musicista Fiorella Di Pentima, perfetta organizzatrice e tuttofare!

Aprono gli Altare Thotemico, una band che al proprio esordio discografico, giungono subito in finale nelle nominations dei Progawards 2009. Una straordinaria personalità si impone sopra la loro musica. Pur trattandosi di suoni vintage, dal profumo intenso degli anni ’70, gli Altare riescono a profondere l’essenza della musica di quegli anni, con freschezza e genialità. Il cantato non convenzionale di Gianni Venturi proviene da una cultura personale davvero elevata, ispirandosi ad artisti quali John De Leo (Quintorigo) e Demetrio Stratos (Area), proponendosi con impetuosità e carisma. Ma è tutta la band che gira a dovere. Gli interventi di flauto del tastierista Leonardo Caligiuri fanno fare alla mente sbalzi nel tempo, con reminescenze Jethro Tull. La vera novità della serata è l’innesto del sassofonista Gabriele Merli, il quale rende tutto il sound più compatto e caloroso.

Importanti anche i testi, a volte ironici e spesso graffianti, crudi e sarcastici. La band sembra ritrovarsi meglio dal vivo che in studio, l’improvvisazione e l’affinità fra i componenti sono una foto perfetta di un ensamble che sembra scendere dalla macchina del tempo, proprio dai famigerati anni ’70. Non si resta indifferenti avanti la trascinante e precisa ritmica di Davide Zannotti ( batteria) e dal caldo basso di Valerio Venturi. Un ora di grande musica, fra ironia e profonda cultura a cavallo fra il Rock ed il Jazz. Non mancano neppure certi riferimenti ai maestri Area e di questo gli Altare Thotemico sembrano averne fatto tesoro. Una esibizione semplicemente impeccabile, ennesima sottolineatura che in Italia non siamo secondi a nessuno e che grandi band stanno nascendo.

Seguono i Metal Progster Farther Paint, anche loro nominati nei Progawards 2008. Una musica d’impatto, precisa e tecnica, con assoli di chitarra straordinari, quelli che fanno impazzire di gioia tutti gli amanti di Dream Theater e soci. La band è un polmone sonoro trascinate, che pulsa all’unisono a seconda dei numerosi cambi di tempo. La prestazione di Monia Rossi alla voce è eccellente, incastonandosi perfettamente con le sonorità elettriche della band. Impressionanti le fughe strumentali , dove la chitarra di Francesco Federici la fa da padrona. Il pubblico riesce perfino a pogare! Fondamentale l’intesa della ritmica composta da Luca Antinori al basso e da Luca Prima alla batteria. Ma il sound della band si poggia molto sulla personalità delle tastiere di Gabriele Manocchi. Brani d’impatto ed emotivi, dove la voce di Monia trascina l’ascoltatore in un viaggio pindarico fra cascate di scale sonore. Anche in questo caso, questa è una band che riesce ad esprimersi meglio dal vivo che in studio, l’impatto sonoro e l’energia espressa è decisamente più alta. In chiusura si esibiscono anche in due cover, “Hold The Line” dei Toto e “ Show Must Go On “ dei Queen, brani che sembrano essere particolarmente apprezzati dal pubblico. Inevitabile il bis.

Ma il clou si raggiunge con la jam session finale, con un ospite a sorpresa nel pubblico, il cantante degli Odessa, Lorenzo Giovagnoli. Tutte le band sul palco, con due batterie, due tastiere , sax , voce e basso. Divertente l’assolo contemporaneo delle due batterie, perfetto epiteto di una giornata straordinaria, di quelle che non si possono più dimenticare.

Questo accade solamente quando lo spirito della musica è totale, quando ci sono artisti che suonano per passione e con il cuore.

Il pubblico resta entusiasta, augurandosi che un evento del genere non finisca qui ed io non posso che ringraziare tutti di quanto accaduto, sono quei piccoli miracoli che accadono in piccole città e il piacere è enorme.

ALTARE THOTEMICO "L'Interessante Vita Del Topo"

FARTHER PAINT "Lose Control"

ALCUNE Frasi Belle Della Musica Italiana

"diventi rossa se qualcuno ti guarda e sei fantastica quando sei assorta nei tuoi pensieri,nei tuoi problemi"

"Si fa presto a cantare che il tempo sistema le cose / si fa un po meno presto a convincersi che sia così"

"Credo nel rumore di chi sa tacere / che quando smetti di sperare inizi un po' a morire"

"Dormi sepolto in un campo di grano, non e' la rosa, non e' il tulipano che ti fan veglia dall'ombra dei fossi ma sono mille papaveri rossi...."

"lo sanno tutti che in caso di pericolo si salva solo chi sa volare bene quindi se escludi gli aviatori i falchi le nuvole gli aerei aquile angeli rimani te"

"vorrei donare il tuo sorriso alla luna perché di notte chi la guarda possa pensare a te"

"Forse la paura di una nuova delusione, puo' far sì che tu non ti affezioni alle persone"

" ...con gli occhi tu mi fai scoppiare il cuore in petto,
ed esce la vita, le nuvole e i colori,
da questa ferita d' amore dentro me..."

Capitolo 4. Gli anni della guerra.

Indifferentemente

Salvatore lascia la scuola, Mario continua a lavorare come attore e di mattina aiuta il padre. In tutta Italia continuano le restrizioni, è sospesa la fabbricazione di pasticceria fresca, la farina per il pane viene miscelata con patate bollite, la carne viene razionata, solo clienti registrati nelle macellerie, pasta autarchica, crema e burro a disposizionedel ministero.

E’ il 1942, Salvatore adesso ha 15 anni, suo padre, Gennaro, malato di turbercolosi, continua a lavorare e a seguire il figlio che adesso è il produttore più prolifico. La famiglia è cresciuta, adesso sono cinque figli, oltre a Dora, la più grande, ci sono anche tre sorelline di Salvatore: Nina, Sofia e Angelina. I materazzi non si vendevano, nella notte del 1 novembre 1940, alle 04:20 caddero le prime bombe a Napoli, non si dorme più.

Questi bombardamenti dell’areonautica militare inglese si potrassero fino al novembre del 1941. Napoli è stata una delle città italiane più provate perchè dal 1940 era il porto principale verso la Libia e per i punti strategici e militari come l'ILVA di Bagnoli e quindi il bersaglio preferenziale delle bombe alleate.

Mio padre è dovuto crescere in fretta. Ricordo una volta che stavamo seduti a tavola, mio padre, mia madre - Maria Catania, siciliana, donna bellissima come poche (di lei parlerò più avanti, merita un capitolo a parte) - e nove figli, si, hai letto bene, nove figli! Era una domenica credo, beh, veramente non ricordo in che occasione, uno dei miei fratelli, credo Antonio, (adesso si trova in Messico; ha una fabrica di vestiti e vive alla grande, anche lui artista; ha cambiato mestiere, la paternità e la responsabilità lo hanno indotto a lasciare la carriera: aveva scritto canzoni per artisti del livello di Peppino di Capri, Franco Califano e altri che adesso mi si sfugge il nome. Beh, le mie nipoti hanno un padre, e la musica ha perso un grande!... è la vita!) Dunque, tornando a quella domenica, Antonio smise di mangiare, spinse il piatto verso il centro della tavola e incrociò le braccia.

Mio padre lo apostrofò: “Che hai, non hai fame?” Antonio rispose: “No, non mi piace, voglio il dolce!” Con una dolcezza immensa negli occhi, mio padre incominciò a parlare, non si rivolse a lui direttamente, quello che proseguiva era un messaggio a tutti i presenti.

“Durante la guerra,” pausa, sorridendo, calmo e dolce proseguì: “Durante l'occupazione americana, di notte, un militare di colore, ubriaco, schiantò il suo mezzo pieno di viveri contro un muro. Il camion si rovesciò e si aprirono le portiere. Bene, accorse la gente, dai vicoli bui e scuri l’improvvisata folla attaccò l'automezzo. C’erano sacchi di farina: ogni sacco poteva pesare sui trenta, quaranta o cinquanta kg. Ebbene, io per potermene potare uno a casa, dovetti percorrere un duecento metri seduto per terra e facendo leva con le gambe. La stessa notte, mia madre fece il pane per tutti noi!”

Poi, con lo stesso sorriso che aveva regalatoci all'inizio, si rimise a mangiare. Ci adorava e noi lo adoravamo. Antonio, anche lui colpito dal racconto, ricominciò a mangiare. Mio padre sorrise e strizzò l'occhio.

DOVE VA IL PROGRESSIVE ROCK?

Ciao a tutti,

mi stavo ponendo una domanda al riguardo del termine Progressive Rock, nel quale oggi sembra girare molta confusione. Quando si pensa al Prog, vengono alla mente gli anni '70 e le band cervellotiche , sperimentali, ma anche sinfoniche. Certamente, inevitabile, in quanto quello è stato il suo fulgore. Ma poi si è ripartiti negli anni '80 con band dai nomi Marillion, IQ, Pallas, Pendragon etc. etc. Tutte si riferiscono in maniera evidente (quasi al plagio in alcuni casi) ai genesis di Gabriel. Parlo solamente di coloro che hanno venduto di più ovviamente e non della band culto che fa un disco da cento copie e via. Malgrado tutto sia molto simile alle sonorità degli anni '70, questa nuova ondata prende il nome di NEW PROG....che poi di new non aveva molto. Negli anni '90 è la volta delle band che si riferiscono al modello King Crimson, quelli più nervosi di Fripp. Molte band ripercorrono questi stilemi, per cui Anglagard, Landberk, Anekdoten e molte altre rispolverano nuovamente il suono anni '70 e non solo. Negli anni 2000 altre band si adoperano alla causa, questa volta miscelando tutto quello che è stato detto fino ad ora più Gentle Giant (una delle migliori band degli anni '70) come ad esempio gli Spock's Beard. Nel corso degli anni moltissime altre hanno seguito il binario più psichedelico dei Pink Floyd. Oggi esistono tuttavia band che sperimentano, che provano a dettare nuove regole, facendo dei mix anche improbabili del genere. Ma cosa succede? Molti addetti ai lavori , webzine e quant'altro non relegano questi sperimentatori dentro il nome Progressive Rock, coniando altri termini come Math Rock e quant'altro. Personalmente ritengo che il Progressive Rock sia il ramo più sperimentale del Rock, quello in cui si sperimenta e si tenta nuove strade, in parole povere il DNA di quello che era agli albori del genere, metà anni 60. Progredire, non conservare. Per me Prog è "colui che attinge dal passato e che arricchisce con proprie idee e la personalità un nuovo concetto". Nel 2010 non si può ancora osannare band che copiano i Genesis ed ignorare chi come ad esempio i Tom Moto, oppure gli Outopsya , provano a fare qualcosa di diverso (sono solo nomi a caso per rendere l'idea, lo sò che ce ne sono tante altre).

Quindi mi chiedo, Dove sta andando oggi il Progressive Rock? Secondo me ghettizzato dal proprio sound e da critici feroci (questo è un altro argomento che mi piacerebbe trattare) resterà sempre un genere per pochi "eletti" solo fine a se stesso. E invece ha bisogno di nuova linfa, di incoraggiamento da parte di stampa e media. E' il Rock stesso che ha bisogno di questo. Potremo sempre chiamarlo Progressive Rock? Io credo di si, in quanto oramai nel termine c'è si confusione, ma racchiude tutto quello che non è convenzionale.

Io ho buttato giu un telaio del discorso, se vi interessa lo approfondiamo, voi cosa pensate al riguardo?

Capitolo 3. La guerra.

Salvatore ha 12 anni quando Hitler invade la Polonia il 01 settembre del 1939. L'Italia di Mussolini si dichiara non belligerante ma intanto si approvano nuove leggi per l'economia di guerra, come quella di vietare l'uso di ferro e cemento armato in cosctruzioni private. Ormai, l’Italia và verso il suo destino e la devastazione. Intanto il 03 settembre, solo due giorni dopo, Gran Bretagna, Australia e Francia dichiarano la guerra alla Germania. In Italia, sopratutto nelle grandi città, come Napoli, si fanno prove di oscuramento della città.

Salvatore, adesso in arte Mario Abbate, è un ragazzetto bruno, timido e studioso, a scuola prende solo 10. Di sera, accompagnato sempre dal padre e nascondendosi dalla legge fascista, si esibisce in teatri di Napoli e Provincia. E’ diventato uno degli attori principali della grande compagnia di sceneggiate Cafiero e Fumo. Salvatore và...in salita ma và, fà la gavetta e và... Nessuno lo ferma più, è diventato un beniamino, artista tridimensionale. Ecco, come lo presenterà, una quindicina di anni dopo, Nino Taranto ad una piedigrotta! Ma questa è un'altra storia che riprenderemo più avanti.

Gennaro, intanto, si ammala di turbercolosi però continua lavorando, imbottendo materazzi e seguendo la carriera del figlio. Salvatore adesso guadagna. Sono nati atri tre fratellini: Nina, Sofia e Angelina. La prima, Nina, diventerà la sua compagna di lavoro; bellissima, con una voce straordinaria, attrice talentuosa e sensibile. Era destinata per volare molto in alto, ma all'arte preferì suo marito Raffaele e i suoi figli: Rosaria, Salvatore, Vincenzo (non cè più, è morto ), Sofia, bambina bellissima che pure lei lasciò questo mondo molto prima di suo fratello Vincenzo. Poi, infine, Pupetta! Loro sono i miei cugini che amo e che amerò fino alla morte! e....anche più in là.

In quel tempo Hitler pianifica l'invasione a Belgio, Olanda e Lussenburgo. L’Italia ribadisce la sua neutralità; intanto, qualche settimana prima, i sovietici hanno invaso la Polonia orientale.

Le tavole di un palcoscenico, una ballerina su di peso e di età nell'ombra del sipario, il comico che torna dalla scena... sembra più un attore drammatico, ecco! La voce del presentatore che con grande passione e speranza presenta l'artista che porta avanti il carrozzone e li fà mangiare tutti.

“Signore e signori, il piccolo ma grande Mario Abbate!” Adesso il publico si rasserena, si calma, prende posto, stà zitto... aspetta. Mario entra sorridendo, lievemente, elegantemente e senza indugio... si ferma al contro preciso del palcoscenico... ringrazia la gente... fà promesse di cantare una canzone in particolare... sorride. Piano, senza esagerare, come faceva lui, porta le mani al petto giungendole. Tutto si ferma, tutto sospeso nell'aria. Poi, la sua voce: “Prego, maestro.”

Introduzione... tutti strumenti acustici, niente trucchi, e tutto dal vivo, il suo filo d'oro incomincia a tessere... Mario cresce, cresce, cresce e Salvatore incomincia a scomparire, diventa più piccolo, piccolo, piccolo...

Il 10 giugno 1940 l'Italia dichiara la guerra all'Inghilterra e alla Francia.

OSI

OSI - Blood

SPV

Genere: Metal Prog

Supporto: cd - 2009

Torna in campo la superband OSI, composta da Jim Matheos (Fates Warning), Kevin Moore (ex Dream Theater) e Gavin Harrison (Porcupine Tree), questa volta con uno special guest davvero d’eccezione, il cantante chitarrista degli Opeth, Mikael Akefeldt.

Ci intrattengono con un disco di Metal Prog moderno, composto da nove brani per una durata di quasi quarantotto minuti. Il suono proposto è alquanto oscuro, distante dalle consuete coordinate a cui il genere ci ha abituati. Un punto a favore dunque per quello che concerne la personalità, diciamo che fra Fates Warning/Dream Theater e Porcupine Tree/Opeth prevalgono le atmosfere dell’ ultima accoppiata.

Suoni elettronici e pacati hanno il sopravvento sulle schitarrate, come ad esempio in “Terminal”. Il cantato è fievole, quasi sussurrato. La batteria di Harrison è davvero qualcosa di unico, il suo tocco è riconoscibile fra mille altri, una vera macchina da guerra che spezza e cambia il ritmo in maniera solo apparentemente semplice. “False Start” è un esempio di quanto detto e riesce a far sembrare tutto di una semplicità estrema.

In questo disco gli OSI puntano tutto sulle corde dei sentimenti, un poco come fanno gli Anathema ultimo periodo, pur avendo quasi nulla a che fare con i suoni della band dei fratelli Cavanagh.

Francamente non c’è un brano che prediligo, in quanto tutto sembra essere collegato e similare. Ci sono frangenti più granitici, come in “Be The Hero”, o nell’iniziale “The Escare Artist”, ma sono poca cosa in confronto alla totalità dell’ascolto. Forse questo è in definitiva il limite di “Blood”, un disco che probabilmente spaccherà il pubblico e la critica in due, fra chi sosterrà la tesi Metal e coloro che prediligono di più lo sperimentale e la Psichedelia.

Personalmente amando entrambe i generi, mi ritrovo con i piedi su due staffe, ma credo conoscendomi che questo non sarà un disco che girerà molto sul mio stereo. Peccato, le prerogative c’erano tutte, a partire dall’ottima produzione…Alla prossima.

Frost

FROST* - Milliontown

Insideout

Genere: Progressive Rock

Supporto: cd - 2006

L’amore per il Rock Progressive è scaturito in tutto il suo fervore nel nuovo progetto dei Frost (nuovo supergruppo in generis) dal titolo “Milliontown”.

Jem Godfrey (tastiere e voce), John Mitchell (chitarre e voce), John Jowitt (basso) e Andy Edwards (batteria), si lasciano trasportare da questo impeto, senza il timore di dover celare le proprie ispirazioni artistiche, senza nemmeno la paura di essere comparati a questo o quel gruppo, solamente tanta voglia di godere a pieno delle emozioni che questa musica ha saputo elargire negli anni. Ecco allora ascoltare, di tanto in tanto, tastiere alla Tony Banks (Genesis), reminiscenze King Crimson e tanta melodia, compresa quella a cui Mitchell e Jowitt ci avevano abituati nei loro progetti Arena ed IQ. Ma ecco la sorpresa, i Frost sono unici, una spettacolare creatura che vive di energia propria, difficile da catalogare e questo finalmente per la gioia di tutti coloro che vivono di Progressive e che hanno amato da morire le prime composizioni degli Spock’s Beard.

Le canzoni sono sei e tutte di durata differente, si spazia dai graziosi quattro minuti di “Snowman” ai sette della bellissima iniziale “Hyperventilate”, ai dieci di “Black Light Machine” e non manca nemmeno la suite di turno che qui porta il titolo di “Milliontown”, con quasi ventisette minuti di godimento mentale. Sprazzi di sperimentazione, distorsioni chitarristiche e strumentazione moderna per un risultato fresco e preciso, con la speranza che le nuove leve seguano in futuro anche questo nuovo cammino intrapreso. Oggi come oggi è sempre più difficile creare qualcosa di coraggiosamente personale ed innovativo (si , è vero che le note sono sette…..), i Frost ci hanno provato e grazie al cielo anche questo 2006 ha da consegnare alla storia un ottimo disco di musica Progressive.

Speriamo che questo non sia il solito supergruppo meteoritico, le potenzialità per far conoscere al mondo questa meravigliosa musica le hanno davvero tutte e sarebbe davvero un peccato non goderne più dei frutti.

Eccellenti!

INFO PER GIORNATA PROG

Ciao a tutti,

Per l'evento Prog di sabato 6 al Miss Balù Caffè di Cerreto D'Esi, ho pensato cosa gradita di convenzionare un agriturismo per chi viene da fuori e che magari desidera riposare con calma prima di ripartire.
Si chiama La Casa Di Campagna ed è in Località Bassano (Attiggio) a pochi chilometri da Cerreto (5 - 7 minuti di macchina)
I Prezzi a persona e con prima colazione:

Camera doppia 30 E
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0732 626519

3487908375

Bellissimo panorama di campagna!

Se vi interessa prenotate subito, per non rischiare di trovare tutto preso.

Grazie

Capitolo 2. L'infanzia.

Qualche anno dopo... Napoli, quartiere San Ferdinando, proprio ad un lato del glorioso teatro di Eduardo. Una bottega (a' puteca) il laboratorio di materazzi di Don Gennaro Abbate, seduto sull'entrata... un bambino, pressapoco di 6 anni, un bambino sano e forte, cresciuto con latte materno e pane duro... seduto, taciturno e incantevole, un visino incorniciato da riccioli neri e setosi che anche abbondanti non riescono a ombrare due occhioni neri e lucenti come le notti di Santa Lucia, il bambino ha un nome, Salvatore! E’ l'inseparabile compagno del suo stesso padre. Gennaro non riesce a staccarsi da suo figlio, lo porta dappertutto, a scuola, al lavoro, a volte anche a cantare qualche canzoncina nelle sere d'estate, vicino o'mare, Santa Lucia, Margellina... Pusilleco! A' litoranea... Salvatore e suo padre...sempre insieme, anema e core!

Di fronte allo stesso teatro San Ferdinando ed al lato della bottega di materazzi, un basso (vascio, pianoterra di solo una stanza che a Napoli ci hanno lasciato in eredità gli spagnoli) una donna sull'uscio... zia Peppenella, sorella di Gennaro e zia di Salvatore, dirigendosi al piccolo Salvatore con voce dolce e maliziosa: “Uè... piccerì, e' ma vuò cantà na' canzuncella doce, doce?”

Salvatore sorride... poi gira verso l'interno della bottega come se aspettasse un segnale, un accordo, una voce, una voce che dall'estremità ombrosa, dove le gocce di sudore parlano, dove il cuore di un padre buono e lavoratore spingono le parole fino all'anima del bambino dagli occhi dolci, Gennaro! Accompagnando a tono la sorella..dice: “Salvaturiè a' papà, cantancella na canzona a' zieta Peppenella, accussì ce fà sta cuiete...” Poi si avvicina , gli strizza l'occhio e lo solleva su di uno sgabello ai bordi della stretta e popolosa strada. Salvatore sorride, è complice del padre, lo ama con tutto se stesso... Poi, raddrizzandosi e equilibrando il suo innoquo peso... con una eleganza aturale, con calma, con padronanza solleva il braccio destro fino a che la mano raggiunge l'altezza del petto, chiude gli occhi... và in trance, incomincia a cantare e incantare: “Siente che musica doce...fanno chest'onne adduose... siente che voce, che voce mo teneno e' cose... stanotte Marì ("O' mare“ canta Bovio Lama) E' magia!..q ualche passante si ferma... ascolta... un'altro addirittura attraversa la trafficata strada... una donna... si ferma, si commuove è sussurra tra sè e sè... ma la sentono tutti: “E’ n'angelo!... che bella voce!...” Zia Peppenella ha sentito e mettendosi le braccia nei fianchi risponde orgogliosa: “No! nunn'è angelo e' nepoto a mè!!!”

Salvatore fin da piccolo è stato protagonista di molti episodi di questo tipo... ne conosco molti, ho solo voluto ricordare uno dei tanti che hanno accompagnato la vita di questo grande e unico artista. All’età di nove anni già fà parte della gloriosa compagnia di sceneggiate, (no scemeggiate, sopratutto di quelle che disonorano Napoli da quasi trent'anni) Cafiero e Fumo, in quel periodo, per una legge fascista, i minorenni non potevano professare lo spettacolo. Infatti, molte volte il piccolo Salvatore doveva essere nascosto a tempo. La pena? Multa salata e chiusura a tempo indeterminato dello spettacolo e del teatro ospitante.

Salvatore è stato poi scritturato per un film della settimana I N C O M , (primo cortometraggio a colori del cinema italiano "Sosta d'eroi"; faceva la parte di se stesso, uno piccolo carrettiere cantatore. E’ certo sapere che don Gennaro, accompagnandolo alle riprese e dopo aver visto l'orchestra di ottanta elementi pronti ad accompagnare il figlio, semplicemente svenne! La canzone che interpretò in quel film diceva pressapoco così: “Ogne matina... ogne matina... sente l'aucielle dint'o giardine ca me fanno o' coro... me fanno tutto o' cora... oililì... oililà... miezo a' campagna fiorita a' primmavera... sò nato miezo o' grano e' sò cuntento...”

Amici miei, da quel giorno il piccolo Salvatore lasciò il posto a se stesso, a quello che la canzone napoletana aveva già scritto... e si! Scritto stava, e non si poteva cambiare, aveva nove anni ed era già Mario Abbate!

Capitolo 1. Le origini.

S A L V A T O R E !

(Mario Abbate... na' vita anema e' core)

Napoli 08 agosto 1927, quartiere Sant'Eframo vecchio. Non è un giorno qualunque, non è un mese qualunque, non è un anno qualunque. Agosto è giovane, si è appena vestito di raggi splendenti, ha il viso abbronzato e orgoglioso dell' uomo del sud, che come questo mese, affronta da solo l'aria e le correnti del nord. Gennaro Abbate, uomo buono e taciturno, cammina nervosamente, ha l'aria di chi non ha tempo da perdere, il venditore di ricotta e fichi, accompagnato dalla sua bicicletta arrugginita e fischiettante lo saluta con il gesto della mano e del sorriso... poi, tutto d'un fiato...

“Bòn giorno don Gennà!” Gennaro stralunato ma educato, risponde “Bòn giorno a te! bona jurnata....” il venditore segue il suo abituale percorso gridando a squarciagola il motivetto dei venditori ambulanti: “Signò acalate o' panaro...è ricotta e fichi e' paese, è salute! facite e' pressa ca' fernesce!”

Qualche donna si affaccia, altre si radunano attorno al fortunato venditore, altre si accingono a spolverare le loro entrate dal sonno e dalla miseria, la Napoli del 900, povera, orgogliosa e artista! Al primo piano della palazzina che dà sulla piazza, una delle due finestre si spalanca, una donna si affaccia gridando come una forsennata... “Don Gennà, Gennarì...è nato!...è nato, curre, fà ampresso...”

Gennaro, come volendo dire qualcosa, poi ci ripensa... e ingoiando il suo pensiero guarda verso la donna, si precipita, divora lo spazio dell'interrogativo fino a rangiungere la soglia della sua risposta e della sua casa, sul pianerottolo c'è gente, qualcuno grida...

“Don Gennà auguri!” Gannaro, adesso lentamente, educatamente si fà spazio “Faciteme passà..songo o'pate! nu poco e' pacienza,” sembra frastornato, cammina come se qualcuno lo spingesse, il desiderio di sapere! lo raggiunge, lo sveglia, lo raddrizza e lo incammina fino all'entrata della sua camera da letto. Gennaro, uomo lavoro e famiglia, artigiano e materazzaio del quartiere San Ferdinando, guarda verso il fondo della stanza, una donna, diminuta e bellissima, Anna. E’ lì, Anna! All'angrafe Anna D'Anna.

Gennaro si avvicina, la bacia sulla fronte e poi con appena un sussurro “Annarè......e...?” Lei lo guarda...poi come dicendo vedi stesso tu, ma Gennaro non ha il coraggio, sembra impalato, già hanno avuto la benedizione di una nascita... una bambina, Dora! (attualmente vive in Sicilia).

Allora Anna, donna energica e popolana lo apostrofa: “Si! Gennarì...è masculo!, tiè, abbracciatello o' figlio tuio!” Se Gennaro Abbate avesse vinto l'enalotto dei tempi nostri, non avrebbe mai sentito la stessa felicità e l’emozione che ha sentito in quel momento. Gennaro, tremante ma deciso, solleva suo figlio... lo guarda attentamente, con amore... con tenerezza... poi esclama, dandogli il nome, scandendolo forte e preciso, come per dire: “Nessuno discuta! io sono il padre, e io decido il nome!”...”Salvatò, quanto si bello figlio mio!”

il nuovo video: LA NUOVA RIVA

AULICINO

guarda il nuovo video da youtube:

"La Nuova Riva"

questo il link:

http://www.youtube.com/watch?v=q7q4A6-84GI

Intervista alle ORME

Le ORME

Intervista di Massimo Salari ad Aldo Tagliapietra

Ciao Aldo, sò che vieni da due serate contigue, Venezia e Napoli, sarai anche stanco no?
Ma no, figurati, è un piacere, vai tranquillo…

Bene, allora iniziamo questa nostra chiacchierata: La bellezza della vostra musica sta nel fatto che il materiale del 2004, ossia “L’Infinito”, sposa alla perfezione con quello degli anni ’70. E’ perfettamente incastonato con i vostri classici, pensi che anche quest’ultimo vostro lavoro possa divenire un classico?
E’ difficile dirlo, pensa che anche “Felona e Sorona” per noi è stata una sorpresa, nel senso che è difficile capire se qualcosa durerà nel tempo o meno. E’ chiaro che noi ce lo auguriamo anche perché questa trilogia qui (“Il Fiume”, “Elementi”, “ L’infinito” ) la riteniamo molto ispirata con dei passaggi molto validi. Comunque dopo l’esperienza di “Felona e Sorona” ritengo che ci siano tutte le prerogative. E’ il tempo poi che decide, non ci crederai ma ci teniamo di più a questa trilogia che a “Felona e Sorona”, anche la gente ce lo dimostra nei concerti. Non ci aspettavamo questo responso di pubblico nei confronti del nuovo materiale.

A proposito di “Felona E Sorona”, nella vostra esibizione il concept si arricchisce ancora di più in freschezza, sembra una suite senza tempo, qual è il segreto? Se non sbaglio anzi, mi ricordo che la critica di allora non lo premiò neppure con elogi….
Si, devi sapere che il periodo musicale che abbiamo vissuto, quello più importante fra il 1970/71 fino al 1975/76 è un periodo arrivato dopo il famigerato ’68, quindi tutto quello che succedeva era soggetto ad una critica spietata, proprio per una mentalità di critica che si era radicata. Dovevano trovare il pelo sull’uovo a tutti i costi. Se tu vai a vedere tutte le riviste di quegli anni li, nessun giornalista parlava bene, perché c’era questa “moda” di criticare comunque in qualche modo l’operato dell’artista. Adesso questo modo di fare non c’è più , sono cambiati i tempi, è cambiata la generazione, quindi adesso è molto più facile che i giornalisti ti facciano elogi.

Infatti, ricordo poi che c’erano le famigerate invasioni di palco, negli anni ’70 la gente voleva la musica gratis, in quanto secondo loro, la musica era una cosa impalpabile , non fisica per cui non volevano pagare un qualcosa che poi non potevi portare via.
Si, mi ricordo che c’era sempre quel gruppuscolo di persone che gridavano “Musica libera” etc etc e gli organizzatori erano costretti alla fine a farli entrare gratuitamente, altrimenti spaccavano tutto! C’era un clima non facile.

Poi chi era di sinistra in qualche modo riusciva a tamponare questa contestazione, anche se non sempre. Ricordo il concerto shock per De Gregori il quale fu assalito sul palco dai soliti invasori e lui cercò in tutti i modi di placare gli animi dialogando. Ma voi come avete fatto a non invischiarvi in questa ragnatela politica?
Noi non ci siamo immischiati perché, prima di tutto eravamo presi dalla musica, dal fare musica e più di tanto non abbiamo ne seguito e ne partecipato. Questo nostro comportamento ha avuto un lato positivo perché non ci siamo mai schierati da nessuna parte, ma anche un lato negativo perché a quei tempi li bisognava per forza, nella mentalità, essere di sinistra ed essere impegnato politicamente. Il risultato? Se guardi i libri musicali, le riviste musicali, non solo di allora, ma anche di oggi, vedi che non abbiamo goduto della stima da parte di questi giornalisti. Hanno dato più risalto ad altre band. Per carità, tanto di cappello, sia chiaro, ad esempio gli Area, il Banco etc hanno avuto più luce rispetto a noi. Noi non facevamo parte del movimento Cultura con la “K” di quegli anni. Secondo me questa cosa non è giusta, ripeto, senza togliere nulla agli altri, non è giusto che nelle enciclopedie ci siano 5, 6, 7 pagine per dirti sugli Area e noi relegati ad un articoletto.

Io non credo che voi siete stati da meno, in molte enciclopedie venite menzionati il giusto….
Però, devi sapere che erano quasi tutti giornalisti così e che il loro giudizio era subordinato a questa cosa qua. Politicizzazione chiamiamola così.

Oggi questa contestazione non c’è, una volta volevano la musica gratis , ma in fin dei conti la maggior parte delle persone pagavano, oggi invece non contesta nessuno, ma scaricano la musica gratis da internet! Non è più grave?
E’ vero che i giovani hanno la musica gratis e che questo ha portato quasi alla morte delle case discografiche. Un discografico fa fatica a sopravvivere, però c’è una cosa da dire, il vero amante della musica non scarica, perché vuole in qualche modo contribuire alla sopravvivenza della qualità della musica. È anche un ascoltatore di dischi di categoria “A”, cioè non si sofferma al file compresso mp3, vuole la pura qualità sonora del cd originale. Il suono è fondamentale per l’amante della musica. Se mi faccio la barba, allora ok, va bene ogni tipo di supporto tecnologico, anche l’MP3, ma se devo ascoltare un disco me lo compro originale, perché non voglio che sia “musica compressa”. Mi piace ascoltare l’alta qualità, come la produzione vuole. Oggi però viviamo in un mondo dove la qualità non frega più niente a nessuno, di conseguenza anche in questo settore c’è decadenza. Umberto Eco ha detto “ Siamo una società che si sta imbarbarendo” ed è vero. Le cose di qualità sono sempre più rare e la gente, soprattutto i giovani, non contestano, sembra che tutto gli vada bene. Va bene le cuffiette, l’MP3, ma io personalmente voglio sentirmi coinvolto al massimo dal suono. È la conseguenza del progresso, la tecnologia va avanti, porta quantità di cose, ma la qualità non c’è più. Tutto quello che passa la radio è recepito dal pubblico senza troppo pensare. Non ci si sofferma ad ascoltare qualcosa di più impegnativo e qui nel calderone non metto solo il Prog, ma anche la musica classica, insomma non sembrano più i tempi del soffermarsi all’ascoltare.

In Italia, oggi, un gruppo di Progressive Rock, può vivere con la propria musica?
Assolutamente no! I ragazzi anche se sono amanti di musica Progressiva oggi sono troppo immediati. Noi suonavamo perché volevamo diventare dei musicisti, ci piaceva suonare, era il nostro obbiettivo indipendentemente dai soldi. Non era per diventare famosi, o ricchi, capito? Oggi ci sono obbiettivi completamente differenti dal 1970. Il gruppo giovane adesso vorrebbe subito andare in televisione, diventare famoso e ricco. Sto generalizzando ovviamente, ma è l’approccio al mestiere che è sbagliato. E’ cambiato il mestiere del musicista! Molti farebbero carte false per diventare famosi e questo è anche il motivo per cui nascono certe trasmissioni ,come ad esempio “X Factor”, oppure “Amici”. Quando vedo dei ragazzi giovani con delle votazioni , inorridisco! Noi in Italia, diamo il voto a tutto. Abbiamo ancora dentro la cultura dell’Arena, come nell’antica Roma ed il suo Colosseo. Mettiamo ancora oggi tutto dentro il Colosseo e diciamo: “ a te 10, a te 7 ….” E chi perde viene mangiato dai leoni! Non mi piace vedere queste trasmissioni che mettono voti, compreso il Festival Di San Remo. Non mi piacciono neppure Miss Italia, Miss Sorriso, Miss qua , Miss Là e le veline. All’estero non succede così! Tornando al Festival Di San Remo, l’Italiano ce l’ha nel sangue, è un cult! Non si tocca, la votazione è sovrana. Ovviamente il giovane d’oggi questo non lo recepisce, io parlo della mia generazione che non accetta questo modo di fare. Mi ricordo una volta negli anni ’80 siamo stati costretti dalla nostra casa discografica a partecipare a “Una Rotonda Sul Mare”, un programma di allora dove c’erano musicisti messi in competizione. Eravamo noi contro il presentatore Corrado Tedeschi ecco, ha vinto lui! (e qui ci sbellichiamo dal ridere ndMax). Ha cantato una canzone e ha vinto! Ovvio che vince lui, il popolino vede in tv sempre a lui, mica Le Orme! Ecco, questo non ha alcun senso. A questo punto, capisci che è anche difficile dare dei consigli ad un giovane che si vuole mettere nel circuito. L’unico consiglio che vi posso dare , veramente dal cuore è andare avanti a spron battuto e credere in quello che si fa, anche contro il mare in tempesta. Portate avanti le vostre idee, non quelle degli altri!

Il DVD “Live In Pennsylvania” ha una scaletta strepitosa, ma mancano molti classici che vi hanno dato il successo commerciale. C’è solo “Gioco Di Bimba”, come mai?
Si, semplicemente perché era un Progfest, di conseguenza un prodotto sonoro mirato ad un pubblico prettamente Progressivo. Poi ovviamente cambiamo scaletta a seconda del concerto. Ci adeguiamo alle città e al pubblico a cui è rivolto. Siamo un gruppo Prog , ma abbiamo anche l’umiltà e l’onestà di comporre ballate di facile presa, certo non le andiamo a suonare avanti ad un pubblico preparato al Rock più complesso. Se facciamo una festa di piazza, non facciamo di certo il progressivo esagerato, sai benissimo che metà del pubblico se ne andrebbe….
Ti faccio un esempio, recentemente abbiamo incontrato i New Trolls in Mexico, loro che sono più portati alla canzone per antonomasia, quella più fruibile, la canzonetta insomma, avanti a quel pubblico quella sera hanno fatto il “Concerto Grosso” che non facevano da tempo.

Voi nella vostra storia musicale generalmente avete suonato nella formazione a tre elementi. Molta stampa vi ha sempre associato per questo agli Emerson Lake & Palmer, io sento in voi anche i Quatermass, sbaglio?
Come no! Certamente! Alla fine degli anni ’60 c’erano molti gruppi “triangolari”, soprattutto con l’organo. Non solo i Quatermass, i Nice ad esempio quelli di Keith Emerson, gli Atomic Rooster, quelli di Palmer e molti altri. Noi li abbiamo seguiti tutti, specialmente ciò che accadeva in Inghilterra. Seguivamo i Colosseum, “Valantine Suite” è bellissima, insomma eravamo molto attenti. Poi è accaduto che il nostro chitarrista ha dato forfait, a quel punto abbiamo dato ancora più attenzione a quelle formazioni a tre, ci siamo ispirati a molte band inglesi. Se ce l’hanno fatta loro, ci siamo detti, perché non dovremmo farcela noi? Agli inizi abbiamo cominciato a suonare pezzi dei Nice, dei Quatermass, proprio per acquisire affiatamento e per capire certe sonorità. Chi in seguito ha detto che ci siamo ispirati a quei gruppi ha detto la verità, soprattutto riguardo la musica dei Nice! C’è da dire che il genere Prog era nell’aria, per cui l’ispirazione doveva essere per forza di cose rivolta verso quelle sonorità. Poi le abbiamo personalizzate, il suono assimilato lo abbiamo riplasmato, anche con la differenza della tecnica.

Si, in effetti avete molta personalità e la cosa trova riscontro proprio nel fatto che non ci sono molti gruppi, neppure in Italia, che riescono a suonare le vostre arie.
(ride)… quando mi dicono “Come hai fatto a scrivere quella cosa lì?” Io gli rispondo, “Guarda, sono stato fortunato!” sono quelle cose che non sono programmate. Oppure mi dicono “ Ma quella voce così particolare che hai?” non è che io mi sia messo a studiare. Ricordo John Lennon che diceva “La musica è gia scritta, bisogna mettersi li ed afferrarla”. Non vorrei fare esempi irriverenti per carità, ma ad esempio a Michelangelo chiedevano “Come hai fatto a fare una statua così?” e lui rispondeva “Semplice, basta togliere il marmo intorno!”. Ci sono quelli che dicono “…io ho fatto… io ho scritto… io ho creato…” ecco, personalmente la vedo più su un lato filosofico, dico nulla si crea, hai avuto solo il privilegio ed anche la fortuna di essere uno che ha afferrato quello che esiste già. Se la pensi in questo modo puoi vivere la tua creatività in maniera più umile. Noi delle Orme ci riteniamo fortunati in questo senso.

Hai collaborato anche con P. Hammill dei Van Der Graaf Generator, che ricordi hai di lui?
E guarda caso proprio ieri sera a Napoli abbiamo incontrato nuovamente David Jackson, che tra l’altro ha suonato con gli Osanna, e si parlava anche della reunion dei VDGG. Riguardo Hammill, non vorrei ricordare troppo, altrimenti mi viene la nostalgia! Eheheh , comunque atmosfere molto belle, e ribadisco che il periodo musicale migliore è proprio agli inizi degli anni ’70.

Va bene, questo vale anche per me, concordo, ma allora cosa è successo negli anni ’80, la peste?
Guarda, hai detto proprio bene, la peste! E’ arrivato un virus dall’America e questo virus ha il nome della “Febbre Del Sabato Sera”. Tutto ciò che è dance, discoteca, ha spazzato via il Prog, ovviamente assieme al ricambio generazionale. Come noi nel 1968 abbiamo fatto nei confronti di Nilla Pizzi, Achille Togliani e compagnia bella. Ritornando al discorso di prima, la “non qualità” ha spazzato via tutto quello che si è costruito. Ripeto, tutto ciò è accaduto verso la fine degli anni ’70. Ti dico che noi negli anni ’80 non abbiamo avuto neppure una richiesta! Abbiamo passato dieci anni in assoluto anonimato. Roba da cambiare mestiere per sopravvivere.

Poi il New Prog con Marillion , IQ e Pendragon ha tentato di risvegliare il genere, ma il vero risveglio è stato agli inizi degli anni ’90, soprattutto con il vento freddo del nord Europa, grazie a gruppi Svedesi come Anglagard, Anekdoten, Landberk etc.. Che mi dici?
E’ vero, ce ne siamo accorti anche noi! Ci siamo detti “Come mai c’è ancora qualcuno che suona questa musica?”. Progressivamente (proprio per usare il termine) la cosa ha preso sempre più piede e ti dico, guarda, anche in Italia la cosa si è risvegliata. Lo abbiamo visto di persona gia dall’anno scorso con delle date con pienoni inaspettati. Siamo rimasti spesso e volentieri meravigliati da questa affluenza. Abbiamo richieste da tutto il mondo e quindi siamo contenti. E diciamo pure che è giusto che questo genere meraviglioso venga riscoperto, anche dalle nuove generazioni. E anche qui mi riallaccio al discorso precedente della qualità a cui tengo tanto.

Cambiamo argomento. Io lo so che non bisogna chiedere al papà a quale figlio si vuole più bene, non voglio sapere a quale disco sei più affezionato, magari dimmi qual è il brano che rappresenta meglio la vostra carriera oppure il passaggio musicale a cui sei più affezionato.
In effetti non c’è una canzone singola a cui ci si affeziona. Però con il tempo ci sono canzoni più… diciamo così… ”ispirate”. “Amico Di Ieri” è una di queste. Poi aggiungo “Uno Sguardo Verso Il Cielo”, la stessa “Cemento Armato”…. Ce ne sono molte. Diciamo che, dal punto di vista popolare “Gioco Di Bimba“ è quella che ha preso di più. Vedi da quello che ti sto dicendo che sono tutte canzoni semplici. Molte di queste hanno più la caratteristica di ballata, struttura semplice e di facile presa. Riguardo i passaggi invece sono molto affezionato a “Ritratto Di Un Mattino” di “Felona E Sorona”, ( canta) “…la felicitàààà…etc etc.”. Ma guarda che anche nella nostra ultima trilogia ci sono spunti bellissimi! Pensandoci profondamente, a dirne uno in particolare… non me la sento.

E se invece chiedessero alle Orme di fare una colonna sonora, cosa rispondereste?
Ma…. Colonna sonora, diciamo che non abbiamo esperienza in questo senso e poi sono lavori a commissione. Non abbiamo mai avuto l’occasione per cui, non saprei cosa dire. Comunque dovrebbe essere una cosa interessante, una esperienza che ci manca e quindi sicuramente stimolante!

Nel tuo tempo libero , se ascolti musica, cosa ascolti?
Ti dico la verità, di musica ne ascolto molto poca perché non riesco più a trovare qualcosa di interessante, a parte la musica Indiana. La sto studiando da tanti anni, anche se non mi può ispirare più di tanto. Diciamo che è più un fatto personale, mi aiuta nella meditazione. Mi aiuta anche a suonare il Sitar sempre meglio, anche se nella nostra musica non ci facciamo grandi cose. Comunque ascolto anche qualcosa di nuovo, ad esempio i primi due cd dei Coldplay, ci sono canzoni che mi piacciono. Poi ascolto molto volentieri i REM. Vedi, non ascolto solo Progressivo. Insomma in definitiva ascolto poco ma di tutto.

Paul Whitehead è il disegnatore di molte delle vostre copertine. Ricordo ai nostri lettori che è anche l’autore di quelle dei Genesis. Lui cosa fa per ispirarsi al lavoro, ascolta prima la vostra musica?
Paul Whitehead lavora in questa maniera: cerca di vivere con gli artisti , ad esempio con i Genesis lui andava sempre a sentire le prove. Sentiva la musica e voleva leggere i testi, soprattutto veniva ispirato da quest’ultimi. A noi ha fatto anche la copertina di “Smogmagica”, è venuto in studio, ha ascoltato, ha parlato con noi e dopo di che ha fatto la copertina. C’era il brano “Los Angeles” e noi in studio sentivamo sempre dire “El ei” cioè L.A. le iniziali in americano. E noi scherzando abbiamo detto “ Ma sai cosa vuol dire in Italiano L.A.? Vuol dire è lei!”. A questo punto a Paul venne l’idea di rappresentare Los Angeles circondata dalle mura con la fattezza di una donna. A volte per cose molto stupide , semplici, nascono idee meravigliose. Per la copertina di “Elementi” ci siamo visti in un festival in Mexico e parlando dei quattro elementi lui mi ha fatto questo quadro. Lui vuole sempre sapere di cosa si parla nei testi e anche la musica.

Ricordi nella tua lunga carriera una gaffe, oppure un simpatico aneddoto che ti è accaduto?
Quando alle spalle ci sono parecchi anni, di cose ne capitano sicuramente. Di esperienze positive ricordo ad esempio quella volta nel 1970, quando nel 238 abbiamo caricato i sacchi a pelo e siamo partiti per l’Isola di White per ascoltare il festival completo! Abbiamo visto suonare Jimi Hendrix, Jim Morrison, gli EL&P che suonavano in pubblico per la prima volta, i Jethro Tull agli esordi, mi sembra che suonavano “Stand Up”. Abbiamo vissuto direttamente quel periodo di grande creatività! Questo per noi è stato molto importante, perché ci ha dato anche la conferma che eravamo sulla strada giusta. Poi quando siamo tornati abbiamo cominciato a lavorare ed in definitiva è nato “Collage”.

“Collage” il primo vero disco di Progressive italiano!
Si, si. Guarda ti confesso comunque che è stata questione di tempistica e di fortuna, perché tutti i gruppi italiani si dirigevano verso quella linea. Si, siamo stati fortunati proprio perché siamo stati i primi. “Collage” è uscito a primavera/estate del 1971 ed ha venduto molto. Poi verso autunno/inverno uscirono grandi gruppi storici come la PFM e tutti gli altri. Un altro episodio importante è stata la tournèe inglese del 1974 dopo “Felona e Sorona”. Siamo stati in Inghilterra per un tour di due settimane ed è stata una esperienza nella tana del lupo per noi fondamentale. Episodi negativi…. Ecco restando su “Felona e Sorona” volevamo mettere il sax di Jackson, ma lui è talmente personale, talmente bravo e caratterizzante che alla fine “Felona E Sorona “ sembrava un disco dei Van Der Graaf! Per cui non se ne fece più nulla! La scelta ovviamente l’abbiamo fatta assieme ai nostri produttori. Ecco , questa è una esperienza negativa perché poteva essere una cosa importante che ci avrebbe messo più in luce nel mondo. Poi Le Orme hanno avuto cambi di formazione, da una parte è sfortuna perché la gente perde l’identità del gruppo, dall’altra è una fortuna perché abbiamo sempre trovato sostituti molto, molto più bravi di quelli che se ne andavano via. I nuovi arrivi hanno sempre portato nuova linfa e stimoli. Anche per questo siamo durati 42 anni! Pagliuca se ne è andato, ma è stato rimpiazzato da Michele Bon che personalmente ritengo uno dei più bravi tastieristi al mondo. Certo che la gente è più affezionata a Pagliuca, per forza, il tempo ha lavorato… Molta gente ci chiede “Perché non tornate insieme?” rispondo subito che è impossibile. Abbiamo girato pagina e non si può riscrivere la vita.

Divergenze musicali?
No, umane. Comunque ripeto, il trapianto di Bon per noi è stata una cosa più che positiva!

Qual è quella volta che avete detto “Ce l’abbiamo fatta!”?
Mai! Neanche adesso che ho 63 anni! Il meglio dobbiamo ancora farlo… (ride)

Paragonami la tua musica ad un vino
… Orco cane… che domanda… fammi pensare.. sicuramente il prosecco! Il nostro buon Prosecco.

Progetti in corso?
Noi da tanti anni non abbiamo contratti con case discografiche quindi non abbiamo un contratto che dura quattro anni rinnovabili per altri quattro e tutte queste cose qui. Per questo non abbiamo progetti a lungo termine. Stiamo girando in questa tournèe estiva, dopodiché ci fermeremo un poco e decideremo cosa fare per l’inverno. Sarebbe bello poter fare un altro disco, questo si. Le idee ci sono però per noi fare un disco nuovo è molto faticoso. Sai benissimo che facciamo in autoproduzione per cui… speriamo comunque di farne un altro prima di andare in pensione! (risate).

…Ma voi in pensione non ci andrete vero?
Ahahahah, no, beh, la musica farà sempre parte di noi ovviamente. Come gruppo… insomma..un giorno o l’altro finirà… o no? Dai va bè, non mettiamo il carro avanti ai buoi, facciamo programmi a breve termine.

Il colore della tua musica?
Che bella domanda! Ma lo sai? E’ una grossa domanda! Io studiando musica indiana so che per gli indiani ogni nota ha un colore. Per meglio dire è abbinata ad un colore. Quindi… siccome noi le adoperiamo tutte, direi il non colore della luce! La luce diurna è formata da tutti i colori sai, attraverso il Prisma la scomponi, ecco l’insieme di tutti i colori che danno un non colore. Come il suono è un non suono, di un suono non udibile dall’orecchio umano che poi viene scomposto attraverso le varie note. Lo stesso vale per i colori. Le filosofie indiane sono interessanti proprio per questo, colorano la mente, come dicono loro.

Ma guarda che questa tua spiritualità nella musica si sente e come!
Si è vero, non solo il Sitar la evidenzia, ma proprio l’insieme degli strumenti. Come si suona il basso, la batteria, tutto ha un senso, anche se a prima vista non sembra, qualsiasi cosa che esiste nella realtà (se esiste una realtà) tutto ha un senso. Anche nella musica ci sono dei sensi che vanno aldilà della musica stessa. Io sono proprio andato a cercare di capire e scoprire queste filosofie. Sono stato in India, in Cylon nel 1973 e a Calcutta qualche anno fa. Li c’è il mio maestro di sitar, sono stato suo ospite e ho vissuto la loro aria. L’India è talmente grande e paradossale che ognuno trova quello che cerca. Se uno cerca la spiritualità, la trova, se uno cerca la modernità trova la modernità, è un paese che dà molte possibilità ed ognuno di noi vede e trova quello che sta cercando. Nell’occidente questo… molto meno! Siamo più condizionati. È più difficile venirne fuori come individuo. L’India in questo senso è molto più libera ed aperta. Davvero interessante credimi.

Hai scritto “L’Universo”, poi “L’Infinito”, ecco, quanto è giusto che l’uomo cerchi sempre di vedere o avere quello che non ha.
È un poco la sua caratteristica. Il non accontentarsi ha portato l’uomo a cercare di raggiungere la perfezione., ma non ci arriva mai. Io parlo ad esempio del mio campo, la musica, un musicista quando dice “Ho imparato” vuol dire invece che deve ancora incominciare. Si cerca di raggiungere qualcosa che si ha davanti, ma non lo si raggiunge mai. Comunque sia, tutto questo ci ha portato ad evolverci e all’evoluzione Darwiniana, a cui non credo molto. C’è una bellissima frase di Kaiser Ling, uno scrittore filosofo tedesco, che dice “Il viaggio più breve per arrivare a se stessi gira intorno al mondo”, quindi questo giro del mondo bisogna farlo altrimenti non si arriva alla cosa più vicina che hai.

Prima hai detto che le cose più belle accadono casualmente, quindi vuoi dire anche che le vostre canzoni sono state create per caso o c’è un qualcosa che le ha ispirate?
Credo che l’uomo in generale sia una specie di antenna ricevente, mi viene in mente una frase del poeta Bengalese premio nobel Rabindranath Tagore, che parlando con Dio dice” Io sono un vaso che tu ogni giorno riempi di nuova linfa”. Noi siamo dei vasi da riempire, ogni giorno veniamo riempiti di nuove cose. In questo senso è la casualità che è il tuo rapporto con l’assoluto. La predestinazione, queste sono cose a cui io credo molto. Esempio, uno si mette li con la chitarra e gli vengono fuori melodie, in quel momento ha avuto un eccesso di concentrazione, ma ha afferrato un qualcosa che esisteva già. Noi non creiamo niente!

Bene! Grazie per queste nozioni che possono aprire anche la nostra mente, speriamo di risentirci al più presto e un saluto da parte nostra e dei nostri lettori!
Grazie a te! E’ stato davvero un piacere! Max, spero di risentirti al più presto. Venite ai nostri concerti! Ciao a tutti.

Benvenuti!

Ho lasciato le mani tremanti... per un sogno

ho guardato lontano

ho camminato

ho sorriso ho pianto

sono caduto

sui dubbi

sull'incoscenza del verde

ho solcato e le mie rughe sono il dramma

ma ho sempre fatto quello che ho voluto

anche se un poco ho dovuto lasciarlo

a chi non aveva quello che ho ereditato

insieme ai miei fratelli

purtroppo le mani

quelle tremanti

quelle che hanno accarezzato la mia testa di bambino

non ci sono più

io le ho ereditate naturalmente

nessuno ha firmato

io le ho ancora nelle tasche...quelle mani!

Pecche' si femmena

Arti & Mestieri

ARTI & MESTIERI - Tilt

Cramps Records

Genere: Progressive Rock

Supporto : cd - 1974

In un intricato intreccio di complessi Rock (come effettivamente si chiamavano negli anni '70), di buona fama, di media fama e sconosciuti, il bravo collezionista Progressivo si sperde in un mare di autoproduzioni e piccole case discografiche. E' dura la vita dell'appassionato ascoltatore, anche se ha vissuto in diretta gli anni '70, una scarsa informazione stampata, un assente divulgazione radiofonica (esclusi alcuni casi rari) e televisiva fanno si che non sempre si venga a conoscenza di alcune valide realtà italiane.
La Cramps Records è una delle poche case che seguono con interesse tutti quei complessi che tentano di aprire nuove porte o che almeno abbiano qualcosa di forte da dire, basta ricordare che nella sua scuderia capeggiano gli Area di Demetrio Stratos. Oggi purtroppo la Cramps non esiste più, sarebbe stato utopistico sopravvivere con quei prodotti in quest'era dell'apparire e non dell'essere, ma la Edel coraggiosamente ristampa il meglio del catalogo facendo la gioia di molti appassionati disperati in una sterile ricerca vinilica assurda (visto anche lo scarso numero di copie originali stampate).
Certi prodotti si possono trovare , se si era fortunati, solamente in Fiere Del Disco e a prezzi assurdi. Arti + Mestieri rientrano perfettamente in questo preambolo e sono la conferma che nel nostro sottosuolo musicale esistono artisti secondi a nessuno e dischi di IMMENSA bellezza. Cominciamo con il presentarvi i componenti: Furio Chirico (ex Trip) alla batteria, Beppe Corvella (ex Mystics) alle tastiere, Marco Gallesi al basso, Gigi Venegoni alle chitarre, Giovanni Vigliar violino e percussioni ed Arturo Vitale al vibrafono. Questi ragazzi provengono da Torino e la loro proposta è un Rock contaminato da Jazz, tanto da imporsi difficilmente pure alla mente aperta di un fans Progressivo.
"Tilt" è davvero un esordio clamoroso, d'impatto, tanto da far pensare che gli Arti + Mestieri fossero un gruppo gia navigato. Il primo brano si intitola " Gravità 9.81" e comincia con un violino per poi lasciare spazio ad un sassofono jazz arrembante. Il brano è strumentale e sembra quasi una introduzione all'intero disco. "Strip" è più cantautoriale e richiama in qualche modo i primi dischi della PFM. Molto gradevole, ma ai fini della sperimentazione ha poco da dire pur rimanendo ad alti livelli emozionali. E' sempre il violino ad essere in evidenza e la ritmica ancora una volta è precisa. Il sax della breve "Corrosione" riporta gli Arti + Mestieri a sonorità più impegnate. "Positivo/ Negativo" ripercorre la strada intrapresa dal primo brano accompagnato da un suadente vibrafono. Il piede si muove da solo specialmente durante gli assolo di chitarra accompagnati dall'immancabile violino, veramente gioia per le orecchie di chi vuole ascoltare qualcosa di più che un brano Rock. La stupenda "In Cammino " chiude il lato A del vinile con la sua dolce introduzione ridondante di anni '70. Il profumo di quelle sonorità passate ma mai stantie ci avvolgono grazie al solito violino di Giovanni ed il brano con il tempo si lascia andare a veloci fughe jazzistiche.
Il lato B esordisce con l'introduttiva "Farenheit" e lascia il campo al pezzo più bello di tutto il disco, quella mini suite di 13 minuti dal titolo "Articolazioni". In esso è contenuto tutto quello che un gruppo Progressive deve saper dare, tecnica, melodia, ricerca e cuore, è per questo che precedentemente dicevo che questi ragazzi di Torino non sembrano affatto un gruppo agli esordi. Esempio per tutti. Dopo una tale overdose di emozioni ascoltiamo chiudere questo bel disco dalla riassuntiva "tilt" la quale ripropone in se tutti i momenti salienti dell'intero LP.
Arti + Mestieri in seguito pubblicheranno altri due dischi, il buon " Giro Di Valzer Per Domani" (Cramps 1975) ed il meno sperimentale di tutti "Quinto Stato" (Cramps 1979) dove il gruppo sembra risentire della crisi generale del Progressive, tentando di adattarsi al mercato discografico italiano del momento. Alcuni dei componenti comunque trovano nuove soddisfazioni in carriere solistiche come ad esempio Venegoni che riesce a produrre dischi solistici ("Rumore Rosso"del 1978 e "Sarabanda" del 1979 ) oppure diventare un grande tecnico del suono, produttore ed ancora musicista come Beppe Crovella.
Un consiglio a tutti coloro che cercano piccole gemme Rock, ascoltate "Tilt" ed un velo armonico vi trasporterà in un mondo pregno di suoni anni '70. Che questo posto si chiami 'Paradiso'? MS

Angel Of Eden

Angel Of Eden - The End Of Never

Lion Music

Genere: Power Metal Neoclassico

Supporto: cd - 2007

Diciamo subito che “The End Of Never” è una maratona sonora atta per chi ha orecchie ancora sane e tanta pazienza. Angel Of Eden è il progetto del chitarrista Roger Staffelbach, il quale riesce a circondarsi di nomi prestigiosi in ambito Metal. Troviamo John West (Royal Hunt), david Shankle (ex Manowar), Steve Di Giorgio (ex Death) e Fredy Doemberg (Axel Rudi Pell).

La musica proposta è un inevitabile valanga di Power Metal neoclassico sparato a mille, che sicuramente piacerà a chi ascolta J.Y. Malmsteen ed anche i Symphony X. Proprio del chitarrista svedese troviamo la cover “You Don’t Remember, I’ll Never Forget”, tratto dallo strepitoso “Trilogy” dell’ormai lontano 1986. Altri richiami in “Return Of The Pharaoh-pt1” e “Towards The light”.

La musica di per se non è brutta ed è anche eseguita bene, senza sbavature, evidenziando la tecnica del bravissimo Staffelbach, grazie anche ad una produzione decente.

Ma qualcosa non funziona, a lungo andare l’ascolto cala di attenzione, la noia si fa varco e le fughe strumentali che si susseguono alacremente in doppio pedale cominciano a stancare l’orecchio. Per questo ho detto “Per chi ha orecchie ancora sane”, il bombardamento sonoro non ha tregue significative.

Se prendiamo però ogni singolo brano, lo analizziamo in tutti i lati, non troveremo nulla da eccepire, adrenalina annessa, ma l’insieme è davvero duro da sopportare fino alla fine. Mi dispiace non promuovere al meglio un prodotto del genere, carico di buone intenzioni e tanti artisti validi, ma ho la netta sensazione che questo sia stato un passo falso.

Spero alla prossima occasione che Staffelbach aggiunga del sale al piatto proposto, questo è insipido.

Dante

DANTE – The Inner Circle

Autoproduzione

Genere: Metal Progressive

Supporto: cd – 2007

Alexander Gohs (voce), Markus Berger (chitarra, basso), Chritian Eichlinger (batteria) e Markus Maichel (tasiere) sono i Dante.

Voglio aprire questa recensione con i nomi dei protagonisti, perché se lo meritano in maniera particolare. Stiamo parlando di Metal Prog, uno dei generi musicali (alla faccia della parola Prog) più standardizzati dell’intero panorama. I Dream Theater negli anni ’90, hanno portato al successo una nuova branca del Metal, evidenziando il lavoro delle tastiere ed apportando una tecnica incredibile, per il resto sino ad oggi , il 90% delle band sono dei cloni. Sono pochi gli artisti che esulano da questa percentuale, possiamo citare i Tool, i Porcupine Tree o i Mastodon, ma per il resto poca cosa. Ed io applaudo a questi tedeschi dal nome altisonante, perché a differenza dei precedenti, alle spalle non hanno major, si autoproducono e credono in loro stessi.

I risultati danno loro ragione, dalla musica espressa fuoriesce una cultura musicale davvero invidiabile, Metal arricchito dalla crema degli anni ’70 , come lo stile degli Yes o quello dei sempre poco (ed ingiustamente) considerati Gentle Giant. La qualità sonora è eccellente, a dimostrazione che anche da soli si può fare molto bene.

Per il diritto di cronaca, l’artwork è bello ed il cantato è in lingua inglese.

Apre il disco “Faded”, mettendo in risalto l’attenzione dei Dante per l’armonia. Non ci sono lezioni con tecnicismi esasperanti, quelli che secondo me affondano il genere intero, ma buone melodie ed un ottimo ritornello. Ovviamente ci sono i cambi di tempo, ma “Faded” più che altro è basato sull’enfasi cadenzata della struttura sonora. Undici minuti che volano in un istante, a conferma che tutto gira per il meglio, senza perdersi in inutili artifici. Sono sicuro che se un brano così lo avesse proposto un'altra band più famosa, ora saremmo qui a tessere le lodi di un capolavoro.

La voce di Gohs non squilla e non raggiunge chissà quali vette, piuttosto si concentra nell’incastonarsi dentro al contesto musicale e aggiungo io, con risultati lodevoli.

Tornando ai brani, quella che riscontriamo in “The Inner Circle” comunque sia non è innovazione, piuttosto buon gusto e la saggezza di saper gestire le proprie qualità. I cambi umorali capitano al momento giusto e perfino i brani più canonici come “Ghost From The Past”, assumono sempre un motivo d’interesse. Toccante la tastieristica “For I Am”, una perla di malinconia, come di rado accade incontrare. Certamente anche loro pagano pegno ai maestri del genere, come ad esempio in “Not Like Myself”, ma questo si sa, è fisiologico.

Altro motivo interessante è “The Giving & The Taking”, suddiviso in due parti, una fonte sulla quale attingere dissetanti emozioni.

Non conoscevo i Dante, questo disco mi ha colpito pur non facendomi gridare al miracolo, per cui personalmente mi annoto nel taccuino questo nome. In un genere come questo, è sempre più raro imbattersi in band del genere e spero davvero di cuore che possano trovare un buon contratto nel futuro, perché se alle spalle c’è una migliore produzione, c’è di conseguenza la possibilità di fare meglio.

Ci crediate o no , io ora rischiaccio il tasto Play!

Intervista MANGALA VALLIS

INTERVISTA AI MANGALA VALLIS
di Massimo Salari

Sembra che Bernardo Lanzetti sia entrato in pianta stabile nel gruppo, com’è scaturita la cosa?
Bernardo è stato ospite nel nostro primo album uscito nel 2002, da allora la nostra frequentazione è diventata frequente, con sue partecipazioni come ospite a diversi nostri concerti, poi l’idea e la proposta di coinvolgerlo a “tempo pieno” nel gruppo, che lui ha accettato con entusiasmo, a fronte del progetto “Lycanthrope” che noi gli sottoponemmo un po di tempo fa.

Oggi c’è bisogno di tirare fuori il licantropo che c’è in noi, quali sono per voi i motivi che ci fanno mutare in lupi ululanti? Spiegateci la storia del concept.
I motivi sono tanti e credo che il lupo che sta dentro di noi ululi quotidianamente perché non ne può più, purtroppo spesso è un ululare silenzioso, fatto di grida represse.
L’idea del concept “Lycanthrope” arriva da un nuovo sentire, o meglio da un desiderio di riscoprire la propria essenza, sepolta per troppo tempo da anni di guano educativo, religioso e mediatico , in sintesi da tutto quel fiume di condizionamenti che giorno dopo giorno spingono sempre più giù la nostra vera natura per restituirci omologati, narcotizzati e un po rincoglioniti.
Il “Lycanthrope” preme ed ha voglia di uscire, ma non il licantropo orrorifico dei film, piuttosto il lupo o meglio la sua natura, così pura e immune da tutto. Un canto di speranza quindi, e un augurio per tutti.

Com’è nata la collaborazione con David Jackson, membro storico dei Van Der Graaf Generator?
Da una serie di incontri che ho avuto con lui negli ultimi anni nel campo della musicoterapia. David da anni è impegnato in questo campo ed ha ideato uno strumento che permette ai portatori di handicap di esprimersi con la musica.
Questa amicizia, sfociata anche in un concerto l’anno scorso insieme a Tony Pagliuca, dove David mi ha coinvolto a suonare percussioni varie e addirittura delle incudini (!) si è poi concretizzata nella nostra proposta di una sua presenza in “Lycanthrope”.

Ci sono passaggi alla Genesis periodo Gabriel in questo nuovo album e tantissime tastiere, vi rivolgete solo ad un pubblico di nicchia o sperate di avvicinare qualche giovane al Prog Rock?
È innegabile il nostro amore per il progressive degli anni ’70 ma non solo, e questo si avverte nel suono Mangala Vallis, ma quando componiamo non ci poniamo obbiettivi precisi se non quello di lasciar fluire tutte le idee che ci vengono in mente.
Ci piace pensare che la nostra musica non sia ad esclusivo appannaggio degli appassionati del genere, ma un modo di esprimersi a disposizione di chiunque.
Quello che trovo distorta è la visione che molti hanno del progressive come musica vecchia, in questo senso credo si sia fatta una cattiva informazione e che questo modo diffuso di pensare sia molto stupido. In realtà è come voler giudicare o definire la musica.

A tratti mi stupite con passaggi strumentali toccanti, vi dispiace se vi accosto agli Spock’s Beard?
Assolutamente no, io e Mirco siamo grandi estimatori degli Spock’s Beard, almeno fino a quando Neal Morse è rimasto con loro. Neal è uno degli autori più sensazionali dell’ultimo decennio, è grazie a musicisti come lui o Stewe Wilson dei Porcupine Tree che la nostra musica o il “new prog” se proprio vogliamo dargli un nome vive di luce splendente.

Perché scegliete di suonare brani lunghi più di dieci minuti, una scelta naturale o dettata dal concept?
Nessuna scelta prestabilita, ti dirò di più, mi sarebbe piaciuto realizzare un album che non andasse oltre i 45 minuti, ma poi ricadiamo sempre nello stesso piacevole trip…partiamo con l’idea di essere più minimali e poi voliamo via., ma questo è il bello di non avere confini obbligati e di interpretare il termine “creatività” appieno.
Non è detto quindi che in futuro non ci concediamo questa alternativa, dipenderà dal momento.

Cos’ è diventato il Progressive oggi e cosa era ieri?
Domanda che meriterebbe una risposta fiume, per cui cercando di essere sintetico, posso risponderti dicendo che esiste un elemento molto diverso che fa la differenza tra il prog anni 70 e quello attuale: il mondo.
Negli anni 70 era tutto il mondo in una condizione di particolare cambiamento, sia politico che sociale che nell’arte si manifestava con “esplosioni” di grande fermento creativo, l’idea dell’abbattimento di barriere e tabù trovava nella musica come nella scrittura o nell’arte visiva la possibilità di esprimersi con grande libertà.
Oggi non esiste più quell’elemento detonante, manifesto di una intera generazione, e la musica progressive ha soprattutto salvato la sua visione filosofica rispetto il metodo di comporre e l’abbattimento dei confini creativi ( in questo senso resta unico rispetto alla forma canzone che ancora impera).

Cosa ricorda Bernardo con più piacere del periodo Acqua Fragile e del periodo PFM? Cosa è rimasto?
Ricorda l’atmosfera irripetibile per certi versi di un’era unica, ma sai come in tutte le storie ,belli e brutti ricordi si dividono lo spazio, in generale parliamo più del presente e del futuro e questo non può che farci molto piacere, perché grazie a questa avventura insieme, ho la certezza che abbia ritrovato l’antico entusiasmo che si manifesta in quello che ha fatto su “Lycanthrope” (anche a livello di testi) ma soprattutto dal vivo.

La scelta del cantato in inglese è dettata dal mercato oppure ritenete che sia una lingua più musicale?
Nessuna scelta di mercato, ormai il nostro pensiero credo sia palese, solo una scelta estetica, e non è detto che ci metteremo s scrivere in italiano, anzi, stiamo proprio in questi giorni lavorando su un brano che entrerà a far parte di un progetto prodotto dalla nostra etichetta, la “Tamburo a Vapore Records” dove useremo la nostra lingua.

A quale brano di “Lycanthrope” ti senti più legato e perché?
Non è una risposta facile, scegliere solo un brano è riduttivo, ne citerei tre: “The Mask” per la sua energia , “The Boy that howls at the moon” per la sua complessità e Call me alias per la sua atmosfera che mi ha molto toccato fin dai primi ascolti. All’inizio mi è capitato spesso di non riuscire a trattenere le lacrime.

Che differenza c’è fra “The Book Of Dreams” e “Lycanthrope”?
Il primo è nato in un clima di totale inconsapevolezza, il secondo sull’onda di una piacevole constatazione: che avevamo molti estimatori sparsi in giro per il mondo.
Se pensiamo alla musica invece, credo che “Lycanthrope” sia una naturale evoluzione di “The Book…” e che allo stesso tempo ne conservi lo spirito e l’attitudine.
Nel primo album poi I testi erano stati affidati ad un elemento esterno al gruppo (Eugenio Carena), mentre ora è Bernardo (una parte integrante) dei Mangala Vallis che ha composto le liriche. Anche le parti vocali erano state affidate a tre diverse voci mentre ora è Bernardo l’unico cantante. Il basso era stato suonato da Mirco, mentre ora è Riccardo Sgavetti (con noi anceh dal vivo da diverso tempo) a suonarlo.
Tutti elementi questi che fanno si che il nostro suono ora sia ancora più definito e vicino alla nostra dimensione live.

Qual’è stata l’ultima volta che hai avuto un brivido all’ascolto di un brano?
Mi succede ogni volta che sento cantare Peter Gabriel.

Equilibrare il suono fra il passato ed il presente non è assolutamente facile, qual è la formula segreta?
Non so se esiste una formula, ma credo che se non ci si è fossilizzati solo sulle sonorità del passato, diventi abbastanza naturale. Ognuno di noi dal 70 a oggi ha suonato cose molto diverse ed ogni esperienza ha la sciato un segno che inevitabilmente si riflette sul nostro modo di comporre.

Oggi malgrado la grande potenzialità mediatica di Tv, radio ed internet siamo ostaggi della nostra ignoranza, come si spiega questo fenomeno, il licantropo ci può aiutare?
Si spiega col fatto che tutto è al servizio del commercio. Non siamo più considerati come persone ma come potenziali acquirenti di qualsiasi cosa. Per questo motivo tutto deve essere estremamente agile, semplice, leggero e possibilmente velocemente rimpiazzabile. Rispetto alla musica per esempio, deve avere connotazioni precise per essere “radiofonica” e “televisiva”, non so se lo sai, ma un brano che dura oltre 3 minuti e 45 secondi non viene reputato trasmettibile, al di la che per passare per certi network devi pagare. Non mi allargo alla cultura e alla politica sennò ci perdiamo, ma sempre riferito alla musica, credo che un grosso danno l’abbiano proprio fatto tv e radio (delle case discografiche già sappiamo, ma d'altronde se ora stanno affogando sotto il peso delle proprie politiche sbagliate ci sarà un motivo) nel momento in cui hanno lasciato fuori dalla porta tutte quelle proposte artistiche non considerate “in linea” con la propria rete. In questo modo si nega la possibilità di conoscere e di scegliere alla gente, in pratica, se non passi per i grossi network…non esisti. Il fatto è che non è che grazie a questa politica si vendano più dischi di quei personaggi che trasmettono, parliamoci chiaro, quanta affinità possiamo avere noi con quella manica di rappers che costantemente ci straziano? Un vecchio motto recita “andava meglio quando andava peggio”, ebbene temo che siamo in questa condizione e che chi si vuole sdoganare dalla barbarie imperante lo possa si fare, ma spinto solo dal proprio desiderio di “altro”(ecco il lupo che emerge), per la maggior parte della gente continuerà ad andare bene così.

“Call Me Alias” mi ha toccato nel profondo, come è nata?
Enzo (il tastierista) è arrivato un giorno con l’idea di massima che poi è stata sviluppata con Mirco. Credo sia il brano più struggente che abbiamo mai scritto e che vada oltre questo album, rappresenta molto bene la nostra cultura classica italiana e il nostro romanticismo.

Come dicevo prima, ci sono molte tastiere in questo vostro album, secondo voi, il Mellotron oggi ha ancora ragione di esistere oppure le nuove tecnologie lo hanno definitivamente affossato?
Il nuovo cerca di “affossare” il “vecchio” costantemente, poi nel tempo ci si accorge che il nuovo non ha il potere di cancellare per sempre le cose che sono grandi, accade per tutto. Il suono unico ed inconfondibile del Mellotron è stato riscoperto non solo dai gruppi progressive, ma da molti gruppi di tendenza (che brutta parola) vedi Radiohead per citarne uno, ma lo stesso è accaduto per l’Hammond o l Moog, in effetti se ci pensi tutto quello che dagli anni 80 in poi è stato fatto rispetto alle tastiere è manipolare sonorità ma nessun suono veramente nuovo è stato inventato.

A parità di capolavoro, è meglio un disco, un libro o un film?
Un disco, se non altro perché per la sua fruibilità più veloce, hai la possibilità di emozionarti ancora una volta in tempi più stretti, per il resto si equivalgono.

Perché la scena italiana Progressiva stenta sempre ad imporsi, cosa è mancato ai nostri gruppi per essere alla pari di quelli stranieri?
Se parliamo del passato, non è vero che i gruppi italiani siano stati penalizzati, la nostra scena progressive è da sempre stata considerata come seconda solo a quella inglese e se parli con gli appassionati e i giornalisti stranieri te ne rendi conto. Diversa è la situazione attuale, dove è tutto il genere che viene etichettato come vecchio o addirittura dai più ignorato. È sempre un problema di informazione, ma qui una grossa responsabilità ce l’hanno anche molti tuoi colleghi giornalisti.

Se avessi in mano una bacchetta magica, cosa cambieresti nel music business?
Ma sai, il cosiddetto “music bisness” è sempre stato così, esiste per fare soldi, in questo senso ha avuto coerenza, peccato che negli ultimi dieci anni questo obbiettivo non gli torni così facile. Mi piacerebbero solo più apertura mentale e un po meno spirito edonistico. Non parlo solo dei discografici ma di tutti quelli che hanno a che fare con la musica, e poi parliamoci chiaro, chi sta veramente aiutando la musica in Italia?
La S.i.a.e. forse? Il governo forse? Tutto è improntato a complicare la vita di chi fa musica, la nostra realtà è unica per arretratezza in tutto il mondo.

Avete in programma dei concerti? Se si dove?
Il nostro sito www.mangalavallis.it è costantemente aggiornato sulla nostra attività compresa quella live. La prima data sarà Il 7 gennaio al Klakson di Montecavolo (RE),
poi ci saranno tre show cases il 14 saremo a Parma al negozio di dischi “MusicMille”, poi 21 a Macerata al “Roxy Bar” e il 27 a Bergamo all negozio di dischi “Bergamo Musica”, ma è già stata confermata anche una data all’estero, a fine maggio saremo al festival “Prog Sud” in Francia.

Come pensate che si evolverà il suono di Mangala Vallis in futuro?
Difficile da dirsi, l’unica cosa certa è che non tradiremo le nostre passioni e il nostro approccio.

Pensate di fare dei video o un DVD?
Si c’è l’idea di un dvd che raccoglierà alcune apparizioni live più alcune chicche, ma si parla di Natale 2006…se tutto va bene.

Avete riso di gusto quando….
Ad una mail di David Jackson in cui ci confermava il suo arrivo in aeroporto, tra i dettagli spiccava la sua preoccupazione per l’aluto con la quale saremmo andati prenderlo in quanto aveva un grosso flycase per i suoi sax, e per questo terminava la sua mail con un perentorio……”No Fiat 500 Pleas!”

Concludiamo questa chiacchierata associando il vostro gruppo ad un buon vino, quale sareste?
Siamo Reggiani, non potrebbe che essere il lambrusco, di quello buono!!!

BIOGRAFIA

Salve a tutti la mia passione per la musica da discoteca inizia all'incirca quando avevo 9 anni. Cominciai ad ascoltare i primi programmi ITALO-DANCE su radio deejay Rin

adio Italia Network..... con Maurizio Molella Giorgio Prezioso Tony tognacca Fabiola ecc personaggi ancora noti. Nell'eta di 15 anni iniziai a fare il mio primo programma in

una radio delle mie parti RADIO FAVARA 101, (Il maga dance) questo programma per vari motivi, non a avuto continuita in questa radio, ma ancora tutt'oggi e molto noto

nell'emittende di alessandria della rocca Radio Amica FM. (http://www.amicafm.it) in onda alle 23:00,di cui ci si puo sintonizzare ed ascoltare. Ho iniziato a collaborare anche con

alcune etichette discografiche molto famose, tra cui CLOROPHILLA records. Note sopratutto all'estero.Ho avuto modo di conoscere alcuni artisti famosi tra cui Amerigo

Prvenzano Luca Zeta Gabry Ponte ecc....Ho avuto modo di realizzare una ma prima compilation in vendita nei migliori negozi on-line tra cui

http://www.junodownload.com/ppps/products/1509428-02.htm. Questo e tutto quello che ho da dirvi un abbraccio.

I brani trasmessi nel programma teckno saur del 27/02/2010

ANDREA RENZI-BOOMBOOTICA (ORIGINAL MIX)

DANIELE SORRENTI-ACID (MICHELE CASTALDO REMIX)

DIADEMA MAJERA-MAJERA (MICHELE CASTALDO REMIX)

GIUSEPPE FONTI-CONNECTIVE (THE REMIXES)

GIUSEPPE FONTI-MAGIC ISLE

MICHELE CASTALDO-INGRATO (MATTHEW M REMIX)

MIRABELLI-FAST BOY (MICHELE CASTALDO REMIX)

MIRABELLI-FAST BOY (VITO BUFFA REMIX)

VITO BUFFA-MINIMAL FLUTE (PLAY BUFFA REMIX)

VINCITORI PROGAWARDS 2009

Finalmente la lunga maratona si è conclusa ed ecco a voi i vincitori di quest'anno :

BEST ITALIAN RECORDS

N.y.X "Down In Shadows"

I N F O R M A T I O N S

Tracklist:
1-Down In Shadows (Part I)
2-Day After Day
3-Colour
4-O.Y.O (On Your Own)
5-Wait
6-C18H21NO3 (instrumental)
7-Down In Shadows (Part II including crime)

Members:
Walter Fragola (voices, acoustic and electric guitars, bass, vocoder);
Danilo Pannico (acoustic and electronic drums, percussions, keyboards and Farfisa organ, marimba).

Guest musicians:
Trey Gunn (Warr guitar);
David Jackson (Sax and flutues);
Marco Allocco (cello);
Adina Bajenica (soprano voice).

Music and Lyrics by N.y.X.

Produced by Beppe Crovella and N.y.X, published by Electromantic Music and distributed by Maracash Records.

Links:
www.nyxsound.com
www.myspace.com/nyxsound
www.beppecrovella.com
www.electromantic.com
www.maracash.com
www.treygunn.com
www.jaxontonewall.com
www.quintettango.com
www.frozendusk.com

BEST FOREIGN RECORDS

Kotebel "Ouroboros"

I N F O R M A T I O N S

Tracklist:
1-Amphisbaena
2-Ouroboros
3-Satyrs
4-Simurgh
5-Behemot
6-Legal Identity V 1.5

Members:
Carlos Plaza Vegas (keyboards);
Cesar Garcia Forero (guitars);
Adriana Plaza Engelke (keyboards);
Jaime Pascual Summers (bass);
Carlos Franco Vivas (drums).

Music by Carlos Plaza Vegas and Cesar Garcia Forero.

Produced by Kotebel, published and distributed by Musea Records.

Links:
www.kotebel.com
www.myspace.com/kotebel
www.musearecords.com

BEST DEBUT RECORDS

It's The End "It's The End"

I N F O R M A T I O N S

Tracklist:
01-Three Quarks For Muster
02-Inverted Implicitness
03-The Sickness Onto Death (Part I)
04-Basic Inceptisol
05-Drakes Equation
06-Marihuana by Night
07-The Salesman Are The Real Whores
08-Xenophobia
09-Internal Combustion
10-Deep Fringe-Campfire Caboodle
11-The Sickness Onto Death (Part II)
12-Tautological Torment

Members:
Tom Simonsen (voice, guitars);
Pal Granum (guitars, keyboards);
Bert Nummelin (drums).

Guest musicians:
Tiina Nurmikolu (clarinet)

Music by It's The End.

Produced by It's The End, published and distributed by Musea Records.

Links:
www.itstheend.com
www.myspace.com/itistheend
www.musearecords.com

BEST RECORDING

Nosound "A Sense Of Loss"

I N F O R M A T I O N S

Tracklist:
1-Some Warmth Into This Chill
2-Fading Silently
3-Tender Claim
4-My Apology
5-Constant Contrast
6-Winter Will Come

Members:
Giancarlo Erra (voice, guitars and keyboards)
Paolo Vigliarolo (guitars)
Paolo Martellacci (keyboards)
Alessandro Luci (Bass)
Gigi Zito (drums)

Guest musicians:
Wooden String Quartet:
Melania Maggiore (first violin)
Ludovica Alberta (second violin)
Roberta Rosato (viola)
Irene Maria Caraba (cello).

Music and Lyrics by Giancarlo Erra.

Produced by Giancarlo Erra, published and distributed by Kscope Music.

Recorded, mixed and mastered by Giancarlo Erra in DVD support, with DTS 5.1, Dolby Digital 5.1 24bit/96Khz and PCM Stereo 24bit/48Khz encoding, at Nosound Studio (Rome).

Links:
www.nosound.net
www.myspace.com/nosoundnet
www.kscopemusic.com
www.myspace.com/giancarloerramusic

BEST ARTWORK

Davide Guidoni for
VV. AA. "Purgatorio: The Divine Comedy Part II"

BEST PROGATTITUDES RECORDS

Outopsya "Sum"

I N F O R M A T I O N S

Tracklist:
1-Lords Of Hate
2-Mothal
3-Mus
4-Don't Mind
5-Tarred Life
6-Mechanical 7
7-Sandness
8-Sum

Members:
Luca Vianini (vocals, guitars and keyboards);
Evan Mazzucchi (bass).

Guest musicians:
Ylenia Zenatti (voice).

Music and Lyrics by Luca Vianini.

Produced by Luca Vianini, published and distributed by Videoradio Edizioni Musicali.

Links:
www.myspace.com/outopsya
www.myspace.com/lucavianini
www.videoradio.org
www.myspace.com/videoradioedizioni

JURY'S SPECIAL PRIZE

Sophya Baccini "Aradìa"

MOTIVATION

The Jury awarded, unanimously, the "Aradìa" album for the following reasons: a work of great symbolic importance, educational and artistic, for all singers that want begin a musical career of proven value.

In this record, Baccini compares herself with the various vocal and musical styles, from Rock to Folk, from Opera to the Melodic, from Dark To Symphonic atmospheres guiding the listener through the long suite, the product of not banal concept.

Sophya Baccini showed the true meaning of "eclectic artist": an individuality with extreme artistic courage and desire to accept new challenges.

Althought this is a debut solo, this work is so mature that it can't define as an arrival point but as the beginning of a definitive turning point.

The Jury's President
Fabrizio Catalano

I N F O R M A T I O N S

Tracklist:
01-La Pietra
02-How Good
03-Studiare, Studiare
04-Will Love Drive Out The Rain?
05-Adesso
06-Al Ritmo Di Una Storia
07-Beware, Beware
08-Ever To Small
09-Don't Dream That Dream
10-Non è l'Amore Il Tuo Destino
11-L'ennesimo No
12-Elide
13-Aradìa
14-Two Witches And Doreen
15-Nei Luoghi
16-When The Eagles Flied
17-Circle Game

Members:
Sophya Baccini (voice, choirs, piano, mellotron and synths)
Pino Falgiano (Hammond organ, orchestral arrangements, strings)
Franco Ponzo (guitars)
Vittorio Cataldi (violin, accordion)

Guest musicians:
Martin Grice (tenor sax and flutue)
Stefano Vicarelli (moog)
Nona Luna (vocals)
Aurelio Fierro Jr. (drums)
Ana Torres (vocals)
Lino Vairetti (voice)

Music and Lyrics by Sophya Baccini.

Produced and published by Black Widow Records.

Links:
www.sophyabaccini.com
www.myspace.com/sophyabaccini
www.blackwidow.it

Banco Del Mutuo Soccorso

Banco del Mutuo Soccorso - Seguendo Le Traccie

Ma Ra Cash

Genere: Progressive Rock

Supporto: cd - 2005

Ecco una chicca impedibile per tutti gli estimatori del gruppo di Francesco Di Giacomo. La Ma Ra Cash rispolvera e dona qualità sonora cristallina al concerto del Teatro Verdi di Salerno del 23 Aprile 1975.

La magia del momento è perfettamente incastonata nelle note che sembrano, oggi più che mai, incredibilmente senza tempo. Si comincia con l’intramontabile “R.I.P.” che molto farà discutere (e contestare) per la scelta di essere cantata in inglese. Allora certo pubblico, in un certo senso “politicizzato”, non era propenso ad aperture esterofile, ma il Banco in quel momento tenta di aprirsi al mercato mondiale ed il passo sembra quasi inevitabile, proprio come quello intrapreso dai cugini PFM.

Il risultato e la prestazione è sopra le righe, fa un certo effetto sentire oggi il gruppo a questi livelli. Segue “L’albero Del Pane”, strumentalmente eccellente nella coralità, un pezzo che farà la gioia dei collezionisti. Che tutto giri bene lo si ascolta nella successiva “La Danza Dei Grandi Rettili”, tratta dal secondo capolavoro “Darwin”. L’intesa è perfetta, così le tastiere dei fratelli Nocenti, Vittorio e Gianni. Tutta la band è fotografata nel massimo del suo splendore, la ritmica i Pierluigi Calderoni alla batteria e di Renato D’angelo al basso è semplicemente spettacolare. Maltese suona la chitarra dando l’anima, per poi passare alla tromba con un indifferenza ed una capacità disarmanti.

Un breve “Passaggio” ed ecco la storica “Non Mi Rompete”, acustica ed elegante, dove Francesco sembra davvero avere l’intenzione di non disturbare. C’è spazio per il Progressive più sperimentale e di nicchia in “Dopo…Niente E’ Più Lo Stesso”, articolato e ben eseguito a dimostrazione della riuscita della serata.

La band unisce tecnica e poesia legandole con un sottile filo d’improvvisazione spiegando al mondo cos’è l’arte della musica Rock italiana.

Il concerto si conclude con la suite “Metamorfosi” tratta ancora una volta dal primo LP.

Chi mi conosce sa che non sono di certo un tipo nostalgico, apprezzo molto la musica di oggi e di sempre, ma in verità gli anni ’70 hanno innegabilmente quel qualcosa in più.

Ma allora non c’è nemmeno una nota negativa in questo live? Si, qualcosa c’è, Renato quella sera aveva un fastidiosissimo mal di denti.

“Seguendo Le Tracce”, semplicemente impedibile.

Amon Duul II

AMON DUUL II - Yeti

Liberty

Genere : Kraut Rock

Supporto: 2lp - 1970

Con gli Amon Duul II ci addentriamo nel mondo del Kraut Rock e ci immergiamo in sonorità cosmiche, un intricato labirinto musicale dalle radici lontane e profonde. Il Rock alla fine degli anni ’60 esplode in tutto il suo fervore in Inghilterra, in America e trova molti consensi anche in Germania, dove i figli dei fiori uniscono il loro credo sonoro con Bach, Wagner, alcuna elettronica ed improvvisazione. Il risultato è decisamente bislacco sennonché dalla forte personalità.

Il gruppo in esame nasce con il nome Amon Duul 0, per poi cambiare nel tempo in Amon Duul I ed Amoon Duul II, questi ultimi sono quelli che riescono a produrre più dischi, grazie ad una più ferrea stabilità di line-up. Dalla loro discografia esaminiamo “Yeti”, un doppio Lp dall’importanza storica sia per il Kraut Rock che per la carriera del gruppo. In esso è contenuto un gran numero di idee, si parte con la mini suite “Soap Shop Rock” con violini gitani ed una piccola dose di Hard Rock, dove le chitarre elettriche di John Weinzierl a tratti rapiscono la nostra attenzione.

Dolce e spirituale “She Came Through The Chimney” e la musicalità è al centro del cosmo, fra suoni e rumori. Più duro il suono di “Archangels Thunderbird” e la voce della brava Renate Knaup interpreta al meglio lo spirito del sound Amon Duul.

Il primo Lp scorre via con fluidità, fra arpeggi di chitarre, tamburelli e tanta improvvisazione, carta vincente dell’intero genere. Proprio lei nel disco due ci accompagna per tutta la durata, i brani si intitolano “Yeti”, “Yeti Talks To Yogi” e “Sandoz In The Rain”. Ovviamente si viaggia con la mente, poco c’è di razionale, a tratti si sfiora la cacofonia, ma questo è lo spirito di questa musica che assieme a quella di altri gruppi importanti come Can, Faust, Eloy, Popol Vuh, Nektar, Klaus Schulze, Neu! e Kraftwerk (solo per fare qualche nome), ha saputo scrivere un capitolo importante del Progressive Rock anni ’70, tanto quasi come la Scuola Di Canterbury. I dischi di questo settetto tedesco sono consigliati solamente agli “open mind”, tutti gli altri alla lontana.

High Tide

HIGH TIDE - Sea Shanties

Liberty

Genere: Dark-Progressive

Supporto: lp - 1969

Il Quartetto inglese è autore di uno dei debutti più innovativi della storia del Rock Progressivo, termine che va loro assolutamente stretto. “Sea Shanties” riesce a miscelare con impeto Hard Rock, Dark e Psichedelia , grazie soprattutto al violino di Simon House. Il suono oscuro, a tratti nervoso e martellante è frutto di un equilibrio fra gli strumenti che per i tempi in questione ha dello stupefacente.

La chitarra di Tony Hill è Hard al punto giusto e la ritmica composta da Peter Pauli al basso e da Roger Hadden alla batteria crea una tensione che ha pochi paragoni. Anche la voce di Hill contribuisce a costruire questo ensamble ossessivo e grazie solo a qualche intervento Folk si riesce a fuoriuscire dal turbinìo oscuro. In definitiva un sound unico, ecco allora rimanere colpiti dalla forza di “Futilist’s Lament”, nulla poi in confronto alla rabbia ed al crescendo di “Death Warmed Up”.

Disturbante e frenetico, dirompente e fastidioso “Sea Shanties” mette ko l’ascoltatore di oggi, figuriamoci quello della fine degli anni ’60. Un parziale attimo di respiro lo si coglie all’inizio di “Pushed But Not Forgotten”, ma l’incedere sonoro prosegue indisturbato il proprio massacrante corso.

L’Inghilterra ancora una volta si dimostra maestra di un genere, in quanto portatrice di sperimentazione e sconvolgerà la storia del Rock europeo e non solo. La musica continua a disegnare spirali emozionali sino all’ultima nota, per un debutto che ha pochi paragoni. Simon House ed il suo violino li ritroveremo in seguito in band storiche come la Third Ear Band, gli Hawkwind e nientemeno che con David Bowie.

Solo la complessità del loro suono farà si che gli High Tide vengano considerati negli annali come una band cosiddetta “Minore” per il Rock Progressivo, ma l’impronta lasciata è davvero indelebile.

Consigliato ai più forti di mente e coronarie.

Cabaret Sauvage

Cabaret Sauvage - Studio

Autoproduzione

Genere: Rock’n Blues

Supporto: cd - 2007

Le autoproduzioni nell’intricato mondo musicale del 2000 sono davvero tante. Ricordo con una certa nostalgia gli anni ’70 e ’80, quando uscivano davvero poche realizzazioni e generalmente di bassa qualità. La mia nostalgia è legata all’età ovviamente, perché i demo con il passare degli anni crescono di professionalità (addio vecchia cassetta). Tutto questo è legato allo sviluppo della tecnologia, la quale rende possibile attraverso il PC ed i suoi programmi , la realizzazione di prodotti sonori più che discreti. Il suono dunque guadagna, ma se la creatività non c’è… non è di certo il PC che te la regala. In parole povere, nel calderone delle numerosissime uscite autoprodotte è difficilissimo imbattersi in ottimi lavori. Proprio qui che l’esistenza di Webzine come la nostra e di certe riviste musicali, è importante. Far conoscere le band meritevoli è dovere, ma soprattutto per quello che riguarda il sottoscritto anche un piacere.

Con i Cabaret Sauvage mi ritrovo davanti ad una gradevole sorpresa, il loro primo demo dal titolo “Studio”, raccoglie in se sei piccoli brani di una durata media di poco più di tre minuti, tutti piacevoli.

La band nasce nel 2006 a Torino, composta da Umberto (voce, chitarra, armonica), Federico (voce, percussioni), Simone (chitarra). Si dedicano molto alle serate live, di certo i ragazzi non stanno sin da subito con le mani in mano. Arrivano anche a vincere il premio della critica del concorso “Massimo Ascolto” indetto da La Stampa.

“Studio” è il loro primo demo, ricco di dolci armonie dal sound “americaneggiante” alla Johnny Cash per intenderci, miste anche al suono commerciale di certi Beatles. Belle le chitarre in “I’ve Found Myself”, un pezzo che trascina la fantasia di chi lo ascolta, verso lunghe strade battute dal sole ed accarezzate dalla sabbia, mossa dal vento di certi paesaggi americani. Nessuna sperimentazione, ma buona personalità ed uno spiccato senso per l’armonia.

Ancora più Blues la successiva “Part Of My Dream”, con le solite chitarre in cattedra. I ragazzi colpiscono nel segno con semplicità, senza alzare mai la voce, giocando direttamente con il feeling dell’ascoltatore.

“Driving Home” sembra uscita direttamente dagli anni ’60 e la voce leggermente nasale ricorda molto quella di Steven Wilson dei Porcupine Tree. Anche “One Day Bifore” ci fa dondolare al ritmo della sua musica, delicata e sorretta dalle ottime coralità di Umberto e Federico.

Una menzione a parte merita la conclusiva “Cabaret Sauvage”, una dolcissima nenia strumentale semplice e disarmante.

Questi Cabaret Sauvage hanno dimostrato di possedere solide basi su cui costruire, Di certo questo è il piede giusto con cui partire, ma per uscire dal caos di questa odierna giungla musicale serve qualcosa di più. Non è facile farsi notare oggi, serve coraggio, magari anche a rischio di intraprendere una scelta impopolare, comunque sia la delicatezza della loro musica a me piace.

Ora sono curioso di attendere le future evoluzioni.

Promossi.

Brother Ape

Brother Ape - III

Progress Records

Genere: Progressive Rock

Supporto: cd- 2008

Fratello scimmia, un nome per una band che potrebbe dire molte cose, amore per il passato, volontà di riportare in auge certe sonorità, oppure sentirsi superiori e considerare gli altri molto al di sotto del livello evolutivo sonoro.

Non resta a noi decifrare questa cosa, in realtà all’ascolto di “III” , loro terzo album da studio, viene in mente un pout pourrie di tutte queste cose.

Provenienti da Stoccolma, i Brother Ape ci deliziano con brani non troppo lunghi (tutti sulla media dei 6/7 minuti) e ricchi di sonorità interessanti. Ci sono i Wather Report o i Brand X di Phil Collins, ma anche Yes, Zappa, Rush, insomma dall’Hard Rock al Jazz, passando con disinvoltura attraverso il Progressive Rock più classico. Generalmente un mix del genere porta all’ascolto molto impegnato, per questo gli estimatori del genere si sentono in paradiso, immersi fra queste note, allo stesso tempo “III” non è un disco che avvicina colui che di Prog non conosce neppure l’esistenza.

I Brother Ape sono un trio, ma attenzione, nulla a che vedere con EL&P o Quatermass. Esso è composto da Max Bergman alla batteria, Stefan Damicolas alla chitarra e voce e da Gunnar Maxènalle tastiere e basso.

“Universal Eye” apre il disco e si lascia subito godere, in bilico fra modernità e passato. Le linee vocali sono delicate, espresse su un basso importante che fa da fil rouge al contesto. Che i Brother Ape non siano la classica e scontata band Prog lo si intuisce subito, legati all’importanza dell’essere e non dell’apparire, dediti totalmente ad un suono del tutto personale e poco propensi a compromessi di sorta.

Bellissimo il frangente strumentale centrale di “Cosmic Overdose”, dove si dimostra tutta la potenza che questa band svedese sa elargire. Un potenziale sonoro ben espresso anche nella successiva “Monday Breakfast” ed suoni delicati quasi stile Perigeo, si alternano con fughe più marcate che molto mi ricordano gli americani Echolyn.

“No Answer” si apre con un sitar che lascia spazio quasi immediatamente ad un suono Hard Rock molto simile a quello dei Rush, otto minuti di musica roboante che racchiude all’ascolto tutta la nostra mente e ci rapisce. Le linee vocali restano sempre molto melodiche.

“Another Day Of Wonder” è uno dei momenti più orecchiabili del disco, delicato e da cantare assieme a Damicolas.

In certi versi i Brother Ape solo apparentemente sembrano cavalcare sonorità nuove, in realtà molto prima di loro sono passati i più “metallici” Mastermind, comunque sia, a parte queste considerazioni, gli svedesi hanno sfornato un disco di assoluto interesse.

Non si grida ne al miracolo ne al capolavoro, di certo il trio apre una finestra nel mondo del Progressive Rock, portando una ventata d’aria nuova. Sta a noi capire se è ora di dare una rinfrescata o se restare ancora un poco in quest’aria consumata.

Comunque vada, complimenti fratello scimmia, ma sei tu o noi che ci dobbiamo evolvere?

Charme

CHARME - The Red Side

Autoproduzione-Siena Rock

Genere: Metal Prog- Ghotic

Supporto : cd - 2009

I Charme si formano nel 2003 grazie ad una intuizione di Fabrizio Agostini (tastiere), Aldo Sefa (batteria) e di Saverio Bartoli (chitarre). Nel 2005 escono con il primo lavoro dal titolo “Gothica Prog Poetry”. Qui il basso viene suonato da Francesco Mengoni, così come la composizione della musica è sotto la sua attenzione. La line up varia con il tempo, fino a giungere ai giorni nostri con l’ingresso della brava vocalist Eva Sestini.

Oggi è la volta di questo “The Red Side”, dove le voci di Mattia Mattei e di Eva si alternano e si fondono egregiamente sui brani proposti. Infatti questo punto di forza esalta ulteriormente una musica che riesce ad alternare con notevole semplicità il Metal Prog con il Gothic Metal stile Lacuna Coil. I Charme sono preparati ed osano dove sanno che si può osare, non spingono sull’acceleratore in maniera scriteriata, anzi, gli interventi elettronici fanno della loro sperimentazione un uso ponderato e gradevole a favore delle melodie.

“Redsided” è un brano rappresentativo della band, personalmente uno dei preferiti di tutto il disco, con un solo di chitarra perfetto, toccante come poche volte capita di ascoltare. Lasciarsi trasportare dalla voce di Eva in “Absence” è molto semplice, le atmosfere gotiche sono ariose grazie all’uso delle tastiere e fanno sognare ad occhi aperti.

Non solo melodia, la vera arma vincente dei Charme è il songwriting, certamente non inventano nulla, ma riescono a fondere tutti i criteri maggiori di tutti i generi sopraccitati.

“Cast Away” è uno strumentale che mette in risalto le doti della band, un excursus nel loro bagaglio culturale, variando dai Dream Theater e anche per i Symphony X .

“The Silent Shape” è il brano più lungo coni suoi quasi dieci minuti e forse anche il più bello.

Ma una delle loro band preferite sono sicuramente i Depeche Mode, si può evincere sia dalla musica, che dalla cover finale di “Precious”, davvero eseguita in maniera personale. Il cantato è in inglese, ma non in tutto il disco, “Frammenti” è in Italiano. La produzione sonora è eccellente.

In definitiva i Charme sono una realtà italiana che non può che dare orgoglio alla nostra musica, una band che non si incontra tutti i giorni, perché è davvero difficile unire melodie orecchiabili e non scontate con Metal Prog e Gothic! Io ve lo consiglio. (MS)

I 100 DISCHI DEL PROGRESSIVE ROCK

I 100 DISCHI DEL PROGRESSIVE ROCK
Di Giancarlo Bolther e Massimo Salari

Tratto da ROCK IMPRESSIONS

Prefazione
Sappiamo bene di aver trascurato una valanga di ottimi dischi, ma per un movimento così imponente come il prog 100 dischi non possono bastare per contenerlo tutto, manca ad esempio il Prog Metal in toto e per molti gruppi abbiamo messo solo l’essenziale. Il vostro interesse e la vostra curiosità dovranno fare il resto. Se vorrete noi saremo pronti anche ad affrontare nuovi e stimolanti approfondimenti. Lasciate un commento

I Grandi Classici

1. CAMEL “Mirage” (Dream 1974) – Fra i più importanti della Scuola di Canterbury. Il sound è caratterizzato da passaggi strumentali notevoli, inseguimenti fra organo e chitarra e altri momenti più sereni e melodiosi. Da cercare anche l’ambizioso “The Snow Goose” (Decca 1976).

2. CARAVAN “In The Land Of Grey And Pink” (Dream 1971) - Ancora Scuola di Canterbury e musica da figli dei fiori, dove l’armonia e la pacatezza dominano indisturbate. La suite “Nine Feet Underground”, della durata di una intera facciata, è il fiore all’occhiello di un intero genere. Fondamentale.

3. COLOSSEUM “Valentine Suite” (Vertigo 1969) - Jazz Rock inglese che ha il merito di essere un punto di riferimento per molti gruppi a venire. La lunga suite dal titolo omonimo riempie il lato b del 33 giri ed è ricco di passaggi interessanti ed emozionanti.

4. ELP “Emerson Lake & Palmer” (Island 1970) – Il gruppo del funambolico Emerson è al debutto e non si è ancora lasciato prendere dalla voglia di stupire, grande successo commerciale e ottima musica sinfonica.

5. FAMILY “Entertainment” (Reprise 1969) - A cavallo fra Psichedelica e Progressive, questo quintetto si avvicina ad un certo tipo di Folk Rock americano. La voce di Chapman è molto bella e “Se Weaver’s Answer” è un classico.

6. GENESIS “Nursery Crime” (Carisma 1971) – I Genesis sono l’icona del Progressive per antonomasia e questo disco è la loro maturazione. Famosi i travestimenti live di Gabriel e meravigliosi i brani.

7. GENESIS “Foxtrot” (Carisma 1972) - Degno successore di “Nursery Crime”, contiene la suite per eccellenza: “Supper’s Ready”. Matura la voce di Gabriel e migliora la compattezza sonora.

8. GENESIS “Selling England By The Pound” (Charisma 1973) - Vertice massimo della produzione Genesiana con ampi momenti barocchi e sinfonici.

9. GENTLE GIANT “Gentle Giant” (Vertigo 1970) - In origine il sestetto dei fratelli Shulman (Phil, Ray e Derek) riscuote poco successo in patria (Inghilterra), ma molto qui in Italia. Prog puro e ricercato, suonato da strumentisti preparatissimi, artefici di passaggi sonori arricchiti da cori a cappella.

10. GENTLE GIANT “Acquiring The Taste” (Vertigo 1971) - Cresce l’affiatamento fra i componenti, di conseguenza la qualità. Raffinati, melodici, rock ma soprattutto tecnici. Grandissima “Pantagruel’s Nativity”. Da cercare sono anche i successivi Three Friends e Octopus.

11. HATFIELD & THE NORTH “The Rotter’s Club” (Virgin 1975) – Un altro gruppo che ha definito il Canterbury sound, Sinclair viene dai Caravan e ne continua la tradizione con un jazz rock meno emotivo, ma più elegante.

12. JETHRO TULL “Acqualung” (Chrysalis 1971) - Il flauto di Ian Anderson è il più famoso in ambito Prog Rock, grazie al suo approccio aggressivo e melodico al tempo stesso. Poco amato dai progster integralisti, questo è in realtà un vero capolavoro che non deve mancare assolutamente dalla vostra discografia.

13. JETHRO TULL “Thick As A Brick” (Chrysalis 1972) - Il disco è composto da un brano unico. Un classico del Prog per fantasia, umorismo (alla Monty Python's) e contenuti sonori. Il flauto di Anderson è presente di tanto in tanto ed è una delizia per le nostre orecchie. Prog Rock nel puro senso del termine.

14. KING CRIMSON “In The Court Of The Crimson King” (Island 1968) – Album fondamentale per tutto il movimento, perché è il primo album pienamente progressive nel vero senso del termine e i classici contenuti sono altamente godibili. Non vi deve mancare assolutamente.

15. KING CRIMSON “Lark’s Tongue in Aspic” (Island 1973) – E’ il capolavoro stilistico del gruppo, sperimentale e piacevole al tempo stesso, con Wetton al meglio della forma e la band che inizia ad entrare nella forza visionaria di Fripp. Da avere anche il successivo “Red”, molto imitato.

16. MOODY BLUES “Days Of Future Passed” (Dream 1967) - A parte Sgt Pepper dei Beatles che ha aperto le porte a tutto il movimento, questo è il vero primo album di prog. Non è così fondamentale a livello artistico ma possiamo gustare un classico come “Nights In White Satin”.

17. NICE “Ars Longa Vita Brevis” (Immediate 1969) – Primo gruppo di Keith Emerson e fra i primi a dar vita al Prog, mescolano il Pop con la musica classica in modo perfetto.

18. PAVLOV’S DOG “Pampered Menial” (ABC 1975) – Fra i pochi gruppi americani che hanno saputo produrre Prog memorabile, resta un perfetto esempio di Folk, Prog e Hard Rock miscelati insieme con la voce indimenticabile di David Surkamp a elevare il tutto.

19. PINK FLOYD “Atom Heart Mother” (Harvest 1970) – L’album più Progressivo della carriera dei famosissimi Pink Floyd. Da ascoltare tutto d’un fiato la suite iniziale omonima, con orchestra e cori. Un must che segna un epoca!

20. REINASSANCE “Ashes Are Burning” (Regal Zonophone 1973) - La bella voce di Annie Haslam guida il gruppo al successo con questo lp. Classico Prog sinfonico e delicato, a tratti con suoni indiani.

21. SOFT MACHINE“Third” (CBS 1970) - Questo è il gruppo di Robert Wyatt, figura eccentrica ed importante per il Rock inglese. A confine fra Psichedelica e Jazz, questo doppio lp ha il merito di aprire una nuova frontiera. Un punto di riferimento per tutti coloro che prediligono atmosfere più Jazz e creative.

22. STRAWBS “Just A Collection Of Antiques And Curios” (A&M 1970) - Fra le file di questo combo inglese troviamo un grande tastierista, Rick Wakeman (YES). Il sound proposto in questo live è molto Folk e melodioso, con frangenti medievali, come nel brano “The Antique Suite”.

23. VAN DER GRAAF GENERATOR “Pawn Hearts” (Carisma 1971) - Questo è uno dei dischi più importanti, oscuri e belli del genere (ndG per me è il disco prog migliore). Il genio di Peter Hammill è grande, le sue visioni sono ben supportate da una musica nervosa ma poetica. Prog oscuro, al limite del Dark.

24. YES “Fragile” (Atlantic 1972) - Prog sinfonico e fantastico, dotato di un bagaglio tecnico stupefacente, forse anche troppo, tanto da soffocare nel tempo un intero genere proprio nella compiacente autocelebrazione. Insieme a Genesis e King Crimson, formano il triangolo d’oro del genere. Altro classico da avere assolutamente.

25. YES “Close To The Edge” (Atlantic 1972) - Punto massimo della creatività di Jon Anderson, Steve Howe, Chris Squire, Bill Bruford e Rick Wakeman. La carriera proseguirà con successi radiofonici maggiori, ma certi fasti non verranno mai più raggiunti. Acquisto obbligato.

Per approfondire

26. ANDROMEDA “Andromeda” (RCA 1969) - Trio inglese capitanato da John Du Cann e dal futuro batterista degli Atomic Rooster, Jan Mc Lane. Il loro sound è un mix fra Psichedelica, Hard Rock alla Hendrix e Prog Rock. Il disco è gradevole e spiega alla perfezione il movimento underground di quel periodo.

27. AYERS KEVIN “Joy Of A Toy” (Harvest 1969) - Fondatore dei Wilde Flowers e successivamente dei Soft Machine è autore di album di grande caratura, tutti ispirati ala Scuola di Canterbury. Pop allegro con pennellate di Prog orchestrale e Jazz.

28. BARCLAY JAMES HARVEST “Barclay James Harvest” (Harvest 1970) - Prog sinfonico con gocce di Beatles, Moody Blues e tanto lirismo. Un occhio di riguardo per tutti coloro che amano il mellotron, i cori e le orchestrazioni.

29. CRESSIDA “Asylum” (Vertigo 1971) - Il Prog delicato, mai caotico, con tratti Folk e Pop Barocchi. Bella la suite “Let They Come When They Will”. Ian Clark, il batterista, lo troveremo in futuro negli Uriah Heep

30. CURVED AIR “Air Conditioning” (Warner Bros 1970) - Sperimentazione con classicismi, Rock e Pop. Il disco si conclude con Vivaldi e per la cronaca è il primo picture disc ad andare in classifica inglese.

31. EAST OF EDEN “Mercator Projected” (Deram 1969) – Autori di una sperimentazione straordinaria con fusione di rock, avanguardia, free jazz, etnica di altissimo valore

32. FUSION ORCHESTRA “Skeleton in Armour” (EMI 1973) – Una delle tante gemme ingiustamente dimenticate del Prog, poesia, lirismo e teatralità confezionati con grande eleganza e una singer molto ispirata. Cercatelo e non ve ne pentirete.

33. GONG “Radio Gnom Invisibile Pt1-Flying Teapot” (Virgin 1973) - Daevid Allen è il leader istrione di questo sestetto dedito ad uno Space Rock misto a jazz e Psichedelica. Musica molto visionaria e lisergica.

34. HAPPY THE MAN “Happy The Man” (Arista 1977) – Fra tutti gruppi questo è quello che ha raccolto di meno in base al loro valore, ma i loro due album sono dei classici che non devono mancare in ogni seria discografia prog.

35. HAWKWIND “Warrior On The Edge Of Time” (United Artist 1975) - Composto da sette elementi il gruppo inglese si ispira molto alla Psichedelia degli anni ’60, soprattutto a gruppi come gli americani Grateful Dead. Questo nella loro ricca discografia è il lavoro più maturo ed anche quello più interessante.

36. HENRY COW “Legend” (Virgin 1973) - Molto coraggio per questo quintetto che si presenta con fagotto, oboe e violino. C’è molto Jazz ed ovviamente tanta sperimentazione avanguardistica. Sporadiche sbavature Canterburyane.

37. MAGMA “Magma Live” (Utopia 1975) – Fra i più dirompenti dischi dal vivo del movimento prog, sconcertante, visionario, sperimentale, bizzarro, geniale.

38. NEKTAR “A Tab in the Ocean” (Bellaphon 1972) – Inglesi trapiantati in Germania hanno prodotto ottimo prog, molto convenzionale, ma anche molto ben fatto, sono diventati famosi per essere stati coverizzati dagli Iron Maiden.

39. QUATERMASS “Quatermass” (Harvest 1970) - Una sorta di EL&P, ma molto più originali. Il trio Gustafson (basso), Robinson (Tastiere) e Underwood (batteria) propone un Prog Sinfonico misto ad Hard Rock davvero penetrante. Un disco unico nella storia, senza momenti statici.

40. TRAFFIC “John Barleycorn Must Die” (Island 1970) - Il gruppo di Steve Winwood è di difficile classificazione, ma questo lp è certamente un altissimo momento di Prog music, con varietà di Folk e Jazz ben supportati dalle tastiere di Stevie. La ciliegina sulla torta è fornita dai fiati di Chris Wood.

Il Dark Prog

41. AMON DUUL II “Yeti” (Telefunken 1970) – Fra i massimi esponenti del krautrock sono stati una formazione fondamentale per la loro forza visionaria ed espressiva che ha saputo coniugare in modo mirabile esoterismo, la musica etnica e tribale e il rock.

42. ATOMIC ROOSTER “Death Walks Behind You” (B&C 1971) – Capolavoro assoluto del dark sound per questa storica formazione a cavallo fra Prog e Hard Rock e disco fondamentale per l’evoluzione musicale di moltissimi gruppi Hard & Heavy. Da avere.

43. BLACK WIDOW “Sacrifice” (CBS 1970) – Disco “satanico” per eccellenza per questa leggenda del Dark Prog, con brani visionari e sinfonici molto ipnotici, non c’è la chitarra, ma un flauto e tante tastiere.

44. COMUS “First Utterance” (Dawn 1971) – Capolavoro Folk Rock con atmosfere veramente inquietanti, testi violenti e un’atmosfera cupa come pochi altri dischi. Un capolavoro tristemente dimenticato.

45. DR Z “Three Parts of My Soul” (Vertigo 1971) – Esoterismo filosofico messo in musica con le tastiere che dominano la scena, stravagante, ma non essenziale.

46. HIGH TIDE “Sea Shanties” (Liberty 1969) – Esordio di questa formazione fondamentale, da avere assolutamente. Memorabili i duetti fra violino elettrico e chitarra, atmosfere hard molto cupe e ossessive alternate a momenti melodici strabilianti per l’epoca. Uno dei più grandi capolavori del periodo. Sulla stessa scia “High Tide” (Liberty 1970) entrambe da avere.

47. HUMAN BEAST “Volume One” (Decca 1970) – Disco molto raro e poco conosciuto è pervaso da un’atmosfera molto inquietante, raramente così efficace. Molta Psichedelia e Hard Rock con venature Prog che verranno riprese da altri.

48. MONUMENT “The First Monument” (Beacon 1971) – Ex Zior producono questa gemma dell’Hard Prog fortemente debitrice del Crazy World of Arthur Brown, visionario e molto occulto. Da cercare anche “Zior” (Nephenta 1971).

49. STILL LIFE “Still Life” (Vertigo 1971) – La cover ossianica la dice lunga, musica malinconica e decadente di grande impatto emotivo.
50. WRITING ON THE WALL “Power of the Picts” (Middle Earth 1969) – Scozzesi stravaganti e oscuri, ma non così tanto come si potrebbe immaginare dall’iconografia, Hard Prog deluxe.

Gli italiani

51. ARTI & MESTIERI “TILT (immagini per un orecchio)” (Cramps 1974) - Furio Chirico proveniente dai Trip, prosegue la sua carriera artistica con questo gruppo di musica Jazz Rock con influenze King Crimson. Il prodotto è uno stralcio storico dei nostri anni ’70. Le parti vocali non sono però delle migliori. Il problema verrà risolto con l’ingresso del cantante Gianfranco Gaza nel bellissimo successivo “Giro Di Valzer Per Domani” (Cramps 1975).

52. AREA “Crac!” (Cramps 1974) - Impegnati a lottare contro il sistema, sono un esempio di Jazz Rock Progressivo di imponente sperimentazione, soprattutto grazie alla voce polifonica dell’immortale Demetrio Stratos (R.I.P.).

53. BALLETTO DI BRONZO “YS” (Polydor 1972) - Musica molto intellettuale, con una cascata di tastiere ma sempre molto Rock. Arrangiamenti più che buoni e l’ingresso di Gianni Leone è fondamentale per la riuscita di questo piccolo gioiello.

54. BANCO DEL MUTUO SOCCORSO “BMS” (Ricordi 1972) - Impossibile cercare un disco da consigliare di questo gruppo capitanato dalla stupenda voce di Francesco Di Giacomo, unico esempio Italiano di cantante Prog assieme a Demetrio Stratos (Area). Questo è sicuramente dall’importanza storica più pesante visto che si tratta di un esordio. Da cercare anche “Darwin”(Ricordi 1972) e “Io Sono Nato Libero” (Ricordi 1973).

55. NEW TROLLS “Concerto Grosso N° 1” (Cetra 1971) - Non stupitevi a leggere questo nome nella lista, la musica Barocca scritta da Luis Bacalov resterà per anni un inno alla bellezza sonora italiana. Un disco di musica Rock misto a Classica, senza tempo, attuale all’ascolto, veramente un mito. Immortale il momento violini flauto alla Jethro Tull.

56. LE ORME “College” (Philips 1971) - La voce enfatica di Aldo Tagliapietra, la musica intelligente e gli arrangiamenti fanno delle Orme un punto di riferimento fisso per il Prog Italiano.”College” è uno dei primi capolavori del genere italiano.

57. LE ORME “Uomo Di Pezza” (Philips 1972) - Questo consacra le Orme sull’olimpo di gruppo Pop, “Gioco Di Bimba” è una canzone che hanno cantato migliaia di persone. Sempre molto Prog fra i suoi solchi, “La Porta Chiusa” e “ Alienazione” sono due esempi di come l’Italia sia pronta anche al mercato estero.

58. OSANNA “L’Uomo” (Fonit 1971) - I Partenopei sono stati considerati nel tempo i Jethro Tull Italiani, ma con il Face-paint. L’uso del flauto in effetti è notevole, non da meno le chitarre di Danilo Rustici che richiamano artisti del calibro di Eric Clapton e Jeff Beck. Jazz, Blues, Rock, Folk, un disco completo di emozioni sotto tutti i punti di vista. Da avere.

59. PFM “Storia Di Un Minuto” (Numero Uno 1972) - L’unico complesso Prog italiano ad essere diventato famoso anche all’estero. Tecnicamente molto profondo in questo esordio stupisce l’ascoltatore con capolavori come “Impressioni Di Settembre” e la “Carrozza di Hans”. Loro sono la storia del Prog Made in Italy.

60. QUELLA VECCHIA LOCANDA “Quella Vecchia Locanda” ( Help 1972) - Ecco un esempio di classico Prog Italiano anni 70. Violino, flauto, il tutto unito nel nome del Rock gentile e fiabesco. Uno stile tipicamente nostrano che farà la passione di migliaia di collezionisti Giapponesi. Si ascoltano cambi di tempo e molta melodia, pane per i nostri denti.

61. IL ROVESCIO DELLA MEDAGLIA “La Bibbia” (Ricordi 1972) - Sono autori di dischi importanti, più che altro da collezione vista la difficile reperibilità, ma questo lavoro è un concept Hard Prog chitarristico che non conosce eguali. Enzo Vita (Chitarra) è l’anima portante e la curiosità è che non ci sono tastiere, strano per essere un gruppo prog.

62. TRIP “Caronte” (RCA 1971) – Ecco un altro concept che ha fatto la storia del nostro Prog Rock. Uno strepitoso mix fra King Crimson e Pink Floyd. Eccellente!

Il New Progressive

63. 12 th NIGHT “Live At The Target” (Neptune Music 1981) - Se i Marillion hanno il merito di aver riportato in vita il Prog, i 12 Th Night sono stati i primi ad aver soffiato sulla cenere. Questo disco è registrato dal vivo ed è tutto strumentale. Nel lato B c’è un solo brano, “Sequences”, uno dei momenti più importanti di tutto il movimento. Musica complessa, dai tratti Shakesperiani e maledettamente ammaliante.

64. HAZE “C’est La Vie” (Gabadon Records 1984) - Gli Haze sono un trio per la verità molto sfortunato. Hanno passato la vita per la strada, girando il mondo su di un povero camioncino per cercare di elargire la propria musica e che musica! “C’est La Vie” è un Prog Rock fresco, chitarristico e diretto, un album come pochi se ne sentono in giro.

65. IQ “Subterranea” (GEP 1997) - Il gruppo del clone di Peter Gabriel, Peter Nicholls è parte della storia del New Progressive. Cugini dei Marillion propongono una musica basata molto sulle tastiere e sulla chitarra. Suoni molto vicini ai Genesis, a volte anche troppo, soprattutto verso gli esordi.

66. MARILLION “Script For A Jester’s Tear” (EMI 1983) - Importanza storica elevata! Grazie al gruppo del gigantesco e carismatico cantante Fish, il Progressive rinasce dalle proprie ceneri nel 1983 con questo prodotto senza tempo. Prog alla Genesis, momenti quasi recitati e molto espressivi, ma soprattutto un brano meglio dell’altro. Obbligatorio.

67. MARILLION “Misplaced Childhood” (EMI 1985) - Disco della consacrazione commerciale del gruppo e di un intero genere. Il merito soprattutto è dell’estratto “Kayleigh”, 45 giri che ha fatto il giro di tv e radio. Storico.

68. NEUSCHWANSTEIN “Barrlement” (Self rist. Musea 1980) - Si presentano come sei monaci vestiti di bianco e predicano amore con la loro musica, a tratti vicina alla Scuola di Canterbury. Tastiere e flauto sono coloro che caratterizzano il sound di questi tedeschi. I pezzi si aggirano tutti intorno ai sette minuti ed in “Loafer Jack” alla batteria troviamo l’ospite Hermann Rarebell, proprio quello degli Scorpions.

69. PALLAS “The Sentinel” (Harvest EMI 1984) - L’ Inghilterra suona ancora la carica , nuovamente un quintetto con sonorità Prog Sinfoniche , ma questa volta dalle velature Dark. Autori di lp sempre all’altezza e tutt’oggi in azione, nel 1984 escono con questo “The Sentinel”. Solo la copertina gateful vale il prezzo del disco. Ma la musica è anche meglio, “Atlantis”, “Ark Of Infinity”, “Cut And Run” ed il 45 giri “Eyes In The Night” sono dei quadri che rimangono affissi nella galleria del New Prog.

70. PENDRAGON “The Masquerade Overture” (Toff Records 1996) - Ecco la terza parte della storia del New Prog inglese. Nati assieme ai Marillion e agli IQ, hanno saputo migliorare il proprio sound come un buon vino rosso nel tempo. Il loro Rock è un mix di Genesis e Pink Floyd ed il risultato è meraviglioso. Tutta la discografia è interessante, ma questo disco è fra i punti più alti della loro carriera. Fondamentali le tastiere di Clive Nolan.

71. ROUSSEAU “Flower In Asphalt” (Self 1980) - Dalla Germania ci giunge questo magnifico affresco sonoro. Un Acquarello di influenze sono riscontrabili fra le note di “Flower In Asphalt”. Un titolo perfetto per un disco che non teme nessun paragone.

72. THE ENID “The Spell” (Mantella 1985) - Un disco per tutti coloro che amano il Prog tastieristico. Fanfare di matrice Wagneriana, suoni rilassati e ricercatezza sonora. A tratti si ha la sensazione di essere in possesso di una colonna sonora cinematografica. “Winter”, “Spring”, “Summer” ed “Autumn” sono le quattro stagioni di “The Spell”.

Il Progressive Moderno

73. ANEKDOTEN “ Live In Japan” (Union 1998) - Abbiamo scelto il live e non un album da studio proprio perchè questo quartetto svedese è una macchina sonora impressionante. Il Doppio cd in questione è il sunto della loro carriera. King Crimson in evidenza e tantissima personalità. Il violoncello di Anna Sofi Dahlberg è Heavy Metal! Scorribande sonore in crescendo.

74. ANGLAGARD “Hybris” (Mellotronen 1992) - Gli Svedesi negli ultimi dieci anni sono stati la punta di diamante del genere e questa band ha prodotto un lavoro icona, molto vicini ai King Crimson riescono ad abbinare grandi doti tecniche a indiscutibili capacità espressive. Consigliatissimo.

75. ARENA “Song From The Lions Cage” (Verglas 1995) - In definitiva sono i nuovi Marillion. Supergruppo composto da diversi elementi di altre band, come C. Nolan dei Pendragon e M. Pointer ex batterista dei Marillion. Proprio Pointer porta con se il bagaglio di “Script For A Jester’s Tear” e si sente. Da avere anche “Contagion”, l’album migliore del gruppo.

76. ARIA PALEA “Zoicekadi’a” (Lizard 1996) - L’Italia del sud colpisce il bersaglio con una musica fra il Jazz ed i Jethro Tull. Divertente, teatrale, suonato con il cuore ma soprattutto con la testa. Originali.

77. CAST “A Live Experience” (Musea 1998) - Serve proprio un doppio live per far comprendere la bravura di questi quattro messicani. Flauto alla Jethro Tull e udite udite influenze PFM!

78. ECHOLYN “As The World” (Cyclops 1995) - Si tratta di un disco considerato da molti il migliore di tutto il nuovo movimento prog. Intriganti fughe strumentali e cori che ricordano molto gli Yes, ma soprattutto compattezza sonora, un sound micidiale. Da avere.

79. ELOY “Ocean 2 The Answer” (GUN 1998) - Storico gruppo Tedesco dalle sonorità Pinkfloydiane. Musica colta e di classe dalle ampie partiture strumentali. Tratti Rock vicini anche all’AOR.

80. FLOWER KINGS “Stardust We Are” (Foxtrot 1997) - Il gruppo svedese di Roine Stolt (Kaipa) ha una lunga carriera alle spalle, ma questo doppio cd farà scendere sicuramente qualche lacrima agli appassionati sfegatati del genere. Rock, Jazz, Folk, Blues, veramente di tutto, specialmente nella monumentale suite “Stardust We Are”. Mitico.

81. FRUITCAKE “Power Structure” (Cyclops) - Questo gruppo scandinavo piacerà sicuramente a tutti coloro che fanno dei Pink Floyd e dei Genesis una fede. Il batterista Pal Sovik è il cantante e compositore.

82. GERARD “Power Of Infinity” (Musea 2003) - Provenienti dal Giappone ci forniscono un Prog sinfonico tastieristico molto tecnico che da il meglio di se nella conclusiva suite “Blue World Part 1-3”.

83. GLASS HAMMER “Perelandra” (Arion Records 1995) - Esempio di Prog intelligente con momenti Pink Floyd ed altri quasi AOR. Musicalità sopraffina in “The Way To Her Heart” e finale del disco emozionante.

84. HALLOWEEN “Le Festin” (Musea 2001) – Sono pochi gli artisti francesi capaci di competere con i grandi nomi internazionali e questi lo sono a pieno titolo, il loro sound è una miscela perfetta di tradizione coniugata con le nuove frontiere del prog, da amare senza riserve.

85. LANDS END “Natural Selection” (Cyclops 1997) - Nel Prog moderno generalmente ci sono tre strade intraprese, la prima porta verso sonorità Genesis, la seconda verso i King Crimson e la terza ai Pink Floyd. Il quartetto inglese in questione ha scelto la terza. Disco dalle atmosfere e melodie con effetti ariosi, soprattutto nella suite finale “Natural Selection” della durata di 30 minuti.

86. LANDBERK “One Man Tell’s Another” (Megarock 1994) – Altro complesso svedese di una raffinatezza ed essenzialità sonora unica. Ispirati dai King Crimson più malinconici rapiscono la nostra attenzione per tutta la durata del cd. Disco Prog dell’anno 1994.

87. LANA LANE “Ballad Collection “ (Pseudonym 2000) - Finalmente una donna, ma che donna! La sua discografia è ricca di perle, questo doppio cd è ricolmo di cover e di brani propri, tutti suonati ed interpretati con classe. Il marito Erik Norlander è il tastierista e supervisore.

88. NEAL MORSE “Testimony” (Insideout 2003) - Ed ecco l’ex cantante dei Spock’s Beard alle prese con un concept Progressive dalle grandi prospettive. La strada scelta dopo l’abbandono del gruppo madre è più o meno la stessa, sono i suoi colleghi ad aver scelto sonorità più elettriche. Sulla falsariga di “Snow” evidenzia ancora una volta la bravura di questo artista.

89. MOSTLY AUTUMN “The Spirit Of Autumn Past” (Cyclops 1999) - Francamente arduo scegliere un disco degli svedesi in questione, ma riteniamo questo un caldo bicchiere di vin Brulè da bere davanti ad un camino acceso. Pink Floyd al 100% soprattutto nei lunghi assolo di chitarra, ma anche tanto Folk.

90. PARALLELS OR 90 DEGREES “Afterlifecycle” (Cyclops 1997) - Questi inglesi suonano Prog puro, con influenze classiche di Genesis, King Crimson e VDGG. Dotati di tecnica sopraffina producono questo disco dalla bellezza strumentale imponente. Fra i pochi alfieri rimasti in terra d’Albione.

91. PORCUPINE TREE “Stupid Dream” (Kscope 1999) - Uno dei complessi più inclassificabili del genere Prog questi inglesi capitanati dal produttore Steven Wilson. La loro discografia è ricca di gioielli, questo in particolare è il giusto legante fra lo Space Rock alla Pink Floyd ed il Pop Prog più commerciale. Canzoni di bellezza irraggiungibile, provare per credere.

92. RITUAL “Think Like A Mountain” (Insideout) - Ancora Svezia, nel cd esplode una musica prodotta alla perfezione, Rock e Folk possente e ben eseguito, la forza della natura esplode in tutta la sua maestà nelle note di questi poeti naturalisti.

93. ROCKET SCIENTISTS “Earthbound” (Think Tank Media 1993) – Il gruppo di Erik Norlander è sicuramente uno dei più interessanti esempi di prog sinfonico con largo uso delle tastiere, questo disco è il più sperimentale e affascinante, anche se quelli successivi hanno un sound migliore.

94. RPWL “Stock” (Insideout 2003) - Sono i Pink Floyd della Germania, in tutto e per tutto. In questo cd ascoltiamo fraseggi che ricordano Gilmour, anche per il canto. Musica con la M maiuscola ed un grande senso per la melodia in bilico fra Pop e Psichedelica.

95. SINKADUS “Aurum Nostrum” (Cyclops 1995) - Sembra di assistere ad uno sbalzo spazio- tempo all’ascolto di questo disco. Musica Prog anni ’70 con King Crimson e Genesis come punto focale. Fra gli strumenti anche flauto e violoncello.

96. SPOCK’S BEARD “The Light” (GEP CD 1995) - Mai come in questo caso il termine capolavoro calza così a pennello. Il quintetto americano dei fratelli Morse ha il merito di far rinascere il genere per la terza volta. Una miriade di influenze, a volte anche fuorvianti, che rendono il sound del gruppo unico nel suo genere. Maestri delle suite ci regalano un disco pieno di emozioni da ascoltare in apnea.

97. TAAL “Mister Green” (Musea 2000) – Altra band francese degna di particolare menzione, brani prevalentemente strumentali con grandi atmosfere ricche di senso drammatico, un labirinto pieno di energia. Un debutto clamoroso.

98. TANGENT “The Music That Died Alone” (Inside Out 2003) – Dei tanti supergruppi di questi anni i Tangent sono sicuramente uno di quelli più riusciti. 30 anni di Prog in un disco dannatamente retrò, che se fosse uscito negli anni ’70 sarebbe un mega classico.

99. TRANSATLANTIC “SMPT” (Insideout 2000) - Supergruppo per eccellenza composto da Neal Morse (ex Spock’s Beard), P. Trewavas (Marillion), R. Stolte (The Flower Kings, Kaipa) e M. Portnoy (Dream Theater). “All Of The Above” è un capolavoro di 30 minuti. La musica è un misto fra I gruppi citati.

100. WITHE WILLOW “Ex Tenebris” (The Laser Edg 1998) - Prog dale sonorità Dark, forse dettate dalle fredde ed oscure terre della Scandinavia. Non si può restare indifferenti all’ascolto di “Leaving The House Of Thanatos”, “The Book O Love” e dei pezzi successivi. Una rosa nera nel mondo del Prog.

It Bites

IT BITES - The Tall Ships

SPV-Insideout

Genere: Progressive Rock

Supporto: cd - 2008

Gli It Bites sono una band inglese di Rock Progressive gia nota al grande pubblico. Dal 1986 al 1991 producono tre dischi da studio ed un live, ma diciamo la verità, non di grande caratura artistica. Si ascoltano con piacere, questo si, melodici, ma non lasciano un segno profondo. Le cose cambiano con la reunion, la band del batterista Bob Dalton e del tastierista John Beck, liquida Francis Dunnery e arruola il bravo chitarrista e cantante John Mitchell (Arena, Kino, Frost*).

Li troviamo con estremo piacere nel 2007 con un live davvero frizzante dal titolo “When The Lights Go Down”. Gli It Bites sembrano non aver passato diciassette anni di standby, al contrario sembrano recuperare una maturità davvero inaspettata. In definitiva questo “The Tall Ships” è il primo disco da studio dopo ben diciannove anni. Intanto come è cambiata la band? Con l’ingresso di Mitchell è inevitabile una sterzata verso quel New Prog moderno caro a band come Arena e Pendragon, tuttavia il sound scaturito gode anche di propria personalità. Sempre grandi melodie e aggiungo io molta freschezza. Ritornelli di facile assimilazione, sin dall’iniziale “Oh My God”, con tanto di coretto alla Yes. Questo è Rock Progressivo non esasperato dalla tecnica , a cavallo fra buoni solo strumentali ed il Rock commerciale, un ibrido che potrebbe mettere d’accordo molti ascoltatori. L’adiacente “Ghosts” prosegue la meccanica delle cose, a tratti vicina ai Genesis di “Abacab”, ma non inorridite, sono solo piccole schegge. Più melodica “Playground”, stile IQ, mentre “Memory Of Water” sembra uscita da un album degli Spock’s Beard, tanto per fare altri nomi. Gli It Bites sembrano essersi data una rinfrescata anche nel mare A.O.R..

E’ bellissima la chitarra in “The Tall Ships”, una canzone semi ballata. Un attimo di calma dopo una overdose di adrenalina, connubio perfetto con il meraviglioso artwork.

Più articolata “The Wind That Shakes The Barley”, con vari cambi umorali e buone idée, soprattutto per merito delle tastiere di John Beck. Un piccolo gioiello musicale. Non mancano neppure i frangenti più spensierati e radiofonici, come in “Great Disasters”. Con “Fahrenheit” la fantasia vola verso lidi più eterei, grande ritornello stile RPWL e nuovamente ritorna la voglia di cantare. Bello l’inizio piano e voce di “For Safekeeping”, ballata per chi ama sognare ad occhi aperti. “Lights” è nella media del disco, ma la conclusiva minisuite di tredici minuti dal titolo “This is England” da sola vale l’acquisto del cd.

Date un ascolto a “The Tall Ships”, è un ottimo modo per addentrarsi nell’intricato mondo del Prog, e vedrete che scoprirete nuove sensazioni.

Ange

ANGE - Culinarie Lingus

Musea/Frontiers

Genere: Progressive Rock

Supporto: cd- 2006

Gli Ange sono una delle band Progressive francesi più famose al mondo, con alle spalle una lunghissima e dignitosa carriera, sin dagli anni ’70. “Culinarie Lingus” è un disco registrato nel 2001 ed il cantante leader Christian Decamps compone uno dei più moderni dischi della formazione, arricchendolo con influenze ambient, Metal ed elettroniche.

L’argomento principalmente affrontato nelle liriche è il sesso e conoscendo lo spirito di Decamps ci si può attendere anche di peggio. Invece il poeta si ferma ad una mezza misura, elegante ed inaspettatamente leggera. Ci sono comunque esplicite allusioni ( “On Sexe”) e l’innata ironia che lo contraddistingue fuoriesce di tanto in tanto. In due tracce troviamo la lunga mano dell’onnipresente Steven Wilson (Porcupine Tree, Blackfield, No Man), in “Jusqu’ Où Iront-ils” e “Cadavres Exquis”.

Davvero numerosissime le special guest, cito uno per tutti, il bravo chitarrista Jean-Pascal Boffo. Apre il disco proprio “Jusqu’ Ou Iront-ils” ed il Prog degli Ange si dimostra immediatamente opprimente ma allo stesso tempo coinvolgente. Buono il lavoro del basso di Thierry Sidhoum oltremodo adeguati gli interventi campionati. La sensazione di ansia si protrae nell’ascolto, ma “Cueillir Les Fruits Du Sèrail” riesce temporaneamente a spezzarla. Il suono si propaga quasi disarmonicamente, sostenuto dalla voce recitata di Decamps.

Ange prosegue il proprio cammino come un caterpillar, facendo sfoggio orgogliosamente della sua robustissima personalità. Si resta estasiati quando la chitarra di Hassan Hajidi parte nei suoi assolo trascinati ed in crescendo, c’è solo da alzare il volume. Più Folk “Adrènaline”, finalmente un ritornello semplice ed un refrain gustosissimo, un momento di relax dopo un inizio davvero forte. Giocoso ed ironico “Farces Et Attrapes” nei suoi striminziti due minuti e mezzo, così brevi quanto ricolmi di idee e soluzioni, anche bizzarre. “Culinarie Lingus” ha fra le sue note fughe tastieristiche alla Genesis fine anni ’70 ed interventi Hard Rock. La voce di Caroline Crozat è sempre bella e sensuale, pennellata rosa sopra una tela ricolma di colori molto prossimi allo scuro. Ma il meglio arriva alla fine, nei ventidue minuti di “Cadavres Exquis”, un mare di Prog con la P maiuscola, suonato da un gruppo che mai ci stancheremo di ascoltare e sostenere. Spazio all’arte, gli Ange parlano una lingua propria che non deve rendere niente a nessuno ed io sfido oggi a trovare un gruppo analogo.

Mitici.

Prophexy

PROPHEXY - Alconauta

Autoproduzione

Genere: Metal Prog – Prog Rock

Supporto: cd - 2009

I bolognesi Prophecy viaggiano al confine fra il Progressive ed il Prog Metal. Lo conferma anche la voce di Matteo Bonazza che si esprime in bilico fra un impostazione alla Bruce Dickinson (Iron Maiden) e una più pacata stile anni ’70. “Illuminat “ apre l’ascolto proprio con questo andamento, un altalenare fra episodi duri e reminescenze vintage. Tuttavia è la ritmica a farla da padrona, con un ottimo lavoro da parte di Stefano Vaccari alla batteria e di Alessandro Valle al basso e al flauto.

Destabilizzanti cambi di tempo fanno venire alla mente inesorabilmente i Dream Theater. Buona l’idea del flauto in “Babba”, altra canzone ricca di spunti sia Metal che prettamente psichedelici alla Hawkwind. La giovane età del quartetto non nasconde di certo una cultura musicale elevata. Tutto il cantato è in italiano e la produzione sonora è almeno più che sufficiente.

Con “Scarto” si esprimono fra interventi elettronici e voce filtrata, un tentativo nervoso e destabilizzante per colpire l’ascoltatore, il quale non può fare a meno di fare certi accostamenti con gli anni ’70, quelli di quando Stratos e soci (Area) tentavano sperimentazioni sonore. Non lontani certi Queensryche. Buoni gli interventi di chitarra, specie nei solo di Gabriele Martelli. Qui i Prophexy sembrano sapersi muovere con idee precise, cosa che non sempre riesce nel corso dell’ascolto.

Un balzo temporale con il flauto in “Fischio, Come Guarire Un”, sembra che i nostri abbiano preso una lezione dai New Trolls dell’era De Scalzi, De Palo (magari è casuale). Passato e presente si alternano vertiginosamente nelle note dei brani, mentre “Plasticosmic” è divertente e scanzonata, un approccio verso una sonorità più abbordabile.

Ritornano le fughe strumentali e i cambi di ritmo repentini in “Tritone”, con un attenzione (anche troppa) verso i King Crimson. Colpisce il frangente acustico centrale, con tanto di flauto, davvero bello!

“Qubo” rialza i toni ed ancora una volta richiama il nervosismo dei più recenti King Crimson. La band suona alla grande, segno di amalgama profonda e di buona tecnica. Chiude “C’è Vite Sulla Luna?”, un lavoro che lascerà molti contraddetti. Infatti i Prophexy si divertono ad alternare tanto materiale e tante emozioni, ma chi non è avvezzo a certe sonorità, troverà il tutto molto cervellotico.

Ma questo sperimentare da parte loro, secondo il mio modo di vedere è solo che positivo, c’è solamente da focalizzare uno stile più preciso, un sound che riconduca il tutto alla band, altrimenti si rischia di cadere nell’anonimato, malgrado le numerosissime idee apportate….e sarebbe davvero un peccato. (MS)

Intervista BIRDFISH

BEARDFISH risponde Rikard Sjöblom

di Massimo Salari e Giancarlo Bolther

Avete iniziato nel 2001 e avete già inciso quattro album, puoi riassumerci la vostra storia?
All’inizio eravamo io (Rikard Sjöblom: vocals, guitars, keyboards), il chitarrista David Zackrisson, il batterista Petter Diamant e il bassista Gabriel Olsson. Nel 2002 Petter uscì dalla band e si unì a noi il batterista Magnus Östgren che portò con sé il bassista Robert Hansen, che ha iniziato a suonare con noi nel 2003, dopo che avevamo saccheggiato Gabriel. Abbiamo avuto in formazione anche un tastierista, Stefan Aronsson, che ha partecipato alle registrazioni di “Från en plats du ej kan se…”, ma uscì dal gruppo subito dopo aver registrato l’album. Quindi l’attuale formazione è insieme dalla fine del 2003 e ha superato la prova del tempo! Insieme abbiamo registrato quattro albums.

Ho tutti i vostri dischi e ho constatato che disco dopo disco c’è stata una buona crescita artistica, qual è stato il segreto di questa crescita?
Fondamentalmente è stato l’aver suonato molto insieme, quando abbiamo registrato “The Same Day” eravamo abituati a fare delle mostruose sessioni di prove che potevano durare anche otto, nove ore. Questa è stata la chiave.

Di cosa parlano i testi di “Sleeping In Traffic:Part Two”?
Sono lasciati alla libera interpretazione dell’ascoltatore, che può trovarci quello che vuole. In alcuni casi si riferiscono a cose personali, mentre in altri sono inventati, ma non credo di dover spiegare alle persone quali sono quelli personali e quali non lo sono.

Il brano “Into the Night” è un ottimo esempio di prog svedese moderno, ha spunti di the Flower Kings, Landberk, Magic Pie, ma anche Genesis, Gentle Giant, Spock’s Beard e King Crimson, un compendio del miglior prog moderno, quali sono le vostre principali influenze?
Ci piacciono tutti i generi di musica, di sicuro ci piacciono tutti i vecchi gruppi prog come King Crimson, Genesis, Gentle Giant, Zappa, Camel, ma non abbiamo mai cercato di avere un sound datato. Per quanto riguarda the Flower Kings, Landberk e Magic Pie devo dire che non abbiamo ascoltato tutta la loro produzione. Ho ascoltato invece i Morte Macabre, il side project di Reine Fiske (Landberk) e Stefan Dimle (Paatos) ed altri, che hanno fatto un album veramente bello (Symphonic Holocaust).

Ho l’impressione che i Gentle Giant oggi siano un po’ sottostimati, cosa pensi di questa band?
Sottostimati? Voglio sapere chi ha detto qualcosa di negativo su di loro, così posso pestarlo! (risate) Seriamente, io amo i Gentle Giant.

“The Hunter” mostra la vostra sensibilità melodica, un brano molto seventies, cosa vi piace di più di quel periodo?
Generalemente tutto… le cose migliori di Zappa sono di quel periodo, proprio l’altro giorno stavo ascoltando qualcosa di Mama Cass, molto cool. Poi mi piacciono le cose fatte dai King Crimson fra il ’73 e il ’75, assolutamente fantastici. In definitiva credo che la migliore musica Pop e Rock sia stata creata nel periodo che va dal 1965 al ’75, quando la media delle cose buone superava la media di quelle cattive!

Vi è capitato qualche cosa di strano durante le registrazioni di Sleeping in Traffic: Part.2?
Niente che non abbiamo pianificato o di cui non fossimo consapevoli. Aspetta però, c’è stata una volta che un tipo da cui avevamo preso in prestito l’attrezzatura per registrare ci sorprese con queste strane chitarre synth che aveva portato con se, alla fine le abbiamo usate in molti pezzi del disco.

Secondo te quali sono le principali differenze fra “Sleeping In Traffic: Part 1” e il capitolo nuovo?
La prima parte non è così coesa come la seconda, le registrazioni sono durate per un periodo molto lungo (un brano ora, un altro dopo, sai come funziona…), questo a fatti si che uscisse un buon disco, un po’ come un album di best of. Ma la parte due è più album rispetto al primo, almeno questo è il mio parere.

Nelle linee di basso di “Into the Night” mi sembra di sentire qualcosa del brano “Too Old To Rock’n Roll To Young To Die” dei Jethro Tull, ho ragione?
Non ho ascoltato molto di quel disco, ma un tipo che conosco ha detto la stessa cosa, quindi devo andare ad ascoltarlo. Ok, c’è una linea di basso che ne ricorda una dei Jethro Tull, ma è solo una coincidenza. Probabilmente grandi menti pensano allo stesso modo (risate).

Cosa deve avere oggi un disco di musica prog per catturare l’attenzione dei media?
Onestamente non ne ho idea…

In effetti, ascoltando “Sleeping… Part.2” l’ho trovato molto coeso, senza momenti di stanca, sempre capace di attirare l’interesse… come procedete alla composizione?
Di solito io scrivo i pezzi, anche se in questo album Robert Hansen ha scritto delle parti di “Into the Night”, poi iniziamo a provarli e ad arrangiarli, è così che nascono i nostri brani.

Negli ultimi quindici anni la miglior musica prog è uscita dal vostro paese, c’è un motivo particolare secondo te?
Forse le etichette hanno cercato meglio nel paese da cui venivano gli Änglagård? Probabilmente si è trattato di una coincidenza, magari è successo come a Seattle per il grunge.

Guardando indietro c’è qualcosa che vorreste cambiare, se fosse possibile?
Parlando degli album no, sono molto soddisfatto di come sono venuti.

Cosa significa il nome del gruppo?
C’è un pesce che vive nei fondali marini che si chiama Beardfish. Ma non ne sappiamo molto, per noi era un nome come un altro, non ha niente a che vedere ne con gli Spock’s Beard, ne con Fish o con i Phish.

Quali sviluppi potrà avere il vostro sound nel prossimo futuro, state cercando qualcosa in particolare o prendete quello che viene al momento?
Cerchiamo più di prendere quello che viene al momento e questo approccio per noi ha sempre funzionato. Salta sempre fuori qualcosa di nuovo, in questa occasione sono state le chitarre synth che hanno portato dei suoni speziati ai brani con nuovi sapori, poi ci sono state più parti acustiche come il piano in “As the Sun Sets” e “Sunrise Again”, ma anche in “Into the Night”.

C’è un brano che preferite fra tutti quelli che avete composto, perché?
Penso sia “Into the Night”, che è un po’ la favorita di tutti, è molto divertente da suonare. In realtà mi piacciono tutte le nostre canzoni, ma alcune funzionano meglio dal vivo di altre. Anche “Sleeping in Traffic” occupa una parte speciale, perché è uno dei brani più vecchi e più originali che abbiamo composto.

E uno che non vi piace?
No, nessuno!

Se dovessi scegliere un colore per descrivere la vostra musica?
Rosso.

Avete in programma un live album nel prossimo futuro?
Si, ci piacerebbe, ma non abbiamo ancora pianificato niente.

So che state per venire in Italia con i vostri compagni di etichetta Ritual e Tangent, sarà un evento molto speciale, come vi state preparando?
Stiamo provando e cercando di coordinare tutti gli aspetti legati alla strumentazione e al trasporto verso Amburgo, dove il tour avrà inizio. Partiremo domani notte e sono molto eccitato all’idea.

Conosci dei gruppi italiani?
Non molto, a parte forse Fabio Frizzi, il compositore di colonne sonore per film horror, non è italiano? Ha composto della grande musica! Anche i The Watch, giusto? Eros Ramazzotti? (risate) Ma anche la Premiata Forneria Marconi...

Sei libero di chiudere con un saluto od un messaggio...
Saluto di cuore tutti voi!
Rikard Sjöblom of Beardfish

Zembus

ZEMBUS - Squaring The Circle

Autoproduzione

Genere: Metal Prog

Supporto: cd - 2008

L’Italia è attenta al fenomeno Metal Prog, perlomeno ha una ristretta schiera di fans che segue l’evoluzione nell’ambito. Negli anni abbiamo incontrato band come Eldritch, Labyrinth, Mind’s Key e mi scuso ovviamente con tutti coloro che non ho menzionato. Quello che è paradossale è che l’estero è più aperto alle nostre proposte, piuttosto che noi italiani.. E’ proprio vero, non si è mai profeti in patria.

Gli Zembus non sono una band sprovveduta, malgrado che “Squaring The Circle” sia il loro debutto ufficiale, il sestetto ha alle spalle un fitto curriculum di esibizioni live. Si formano nel 2003 e si esibiscono spesso e volentieri anche in cover di band quali Dream Theater, Metallica, Iron Maiden, Queen, System Of A Down, Van Halen e Queensryche….. questo per inquadrare al meglio le origini sonore.

La quadratura del cerchio è impossibile? L’argomento è stato spesso trattato, in anni ed anni. Qui gli Zembus vanno ad attingere per argomentare questo disco dalle molteplici facce. L’iniziale “SOTC” , acronimo di “Sqaring Of The Circle”, propone immediatamente una band affiatata e coesa, con uno sguardo più focalizzato nei confronti delle sonorità dei soliti maestri Dream Theater, punto imprescindibile per ogni band del genere. Ovviamente le canzoni hanno una durata medio-lunga, questo per non uscire dai binari dei suddetti e comunque sia, sono proposte con una pulizia sonora degna di nota.

La voce di Luca Asfalto è pulita e trae impostazione dai stereotipi del caso. Molta enfasi nelle interpretazioni, ascoltate “One Thousand And One Nights” e sono sicuro che darete agli Zembus un voto molto alto. Come da copione, la ritmica deve essere il motore portante della struttura sonora e qui Davide Di Marco (basso) e Davide Incorvaia (batteria), eseguono bene il proprio compito. Le tastiere di Marco Lanzi non fanno la voce grossa e si permettono di accompagnare degnamente la struttura dei brani. Diego Cazzaniga e Davide Isola sono un ottima coppia di chitarre, dure quando servono e malleabili nei frangenti più pacati.

Esistono troppi riferimenti ai Dream Theater in “Cry”, un brano orecchiabilissimo che farà gola ai fans di questa band, sabbie mobili per chi però non ha forte personalità. Questa non vuole essere una critica, ma un dato di fatto, troppo spesso assistiamo a comparse e scomparse di band troppo legate a questi stilemi.

Ma nell’insieme “Squaring The Circle” è un disco più che godibile, con picchi emotivi notevoli e non dimentichiamo neppure l’ottima tecnica dei ragazzi!

Auguro loro il giusto successo perché lo meritano e consiglio a tutti i lettori di non essere i soliti esterofili, non facciamo spegnere la fiamma dei Zembus, non lo meritano. (MS)

Derdian

DERDIAN - New Era Part 3 Apocalypse

Magna Carta

Genere: Symphonic Metal

Supporto: cd - 2010

Terzo capitolo per il sestetto italiano Derdian riguardante la “New Era”, questa volta è l’Apocalisse il centro focale del concept. Ancora una volta protagonista è l’impatto sonoro, sostenuto dalla roboante ritmica di Salvatore Giordano (batteria) e di Marco Banfi (basso).

Arcigne cavalcate sonore come il genere Symphonic Metal esige, ovviamente coadiuvate da tastiere pompose, qui egregiamente suonate da Marco Garau. La carta vincente deve essere obbligatoriamente l’epicità, l’enfasi e la grandezza globale del sound, non da meno devono apparire le coralità vocali ed è dunque così che la prova di Joe Caggianelli, con l’ausilio del chitarrista Enrico Pistolere e della brava Lisy Stefanoni, risulta degna di nota. Credetemi, non è semplice essere originali e freschi in un genere esaltato da grandi band come Helloween o i nostrani Rhapsody Of Fire e via dicendo. Serve un songwriting fresco, una notevole capacità tecnica ed un “credo” profondo in questo genere, troppo spesso bistrattato , soprattutto dagli addetti ai lavori. In fin dei conti ascoltare un disco come “New Era Part 3 Apoclaypse” è come guardare un film epico, un volo pindarico sopra lande fredde e martoriate da sanguinose ed appunto apocalittiche battaglie.

Si, è chiaro, sono tutti argomenti inflazionati, ma è altresì vero che tutti i generi del Rock hanno i propri stereotipi. Perché dunque condannare o quantomeno minimizzare un disco come questo? E poi. La produzione è eccellente, così come l’artwork, per cui le prerogative per l’acquisto ci sono tutte.

I brani sono tredici e nessuno supera i sei minuti e mezzo. Nulla da eccepire e neppure da aggiungere, tanto gia lo so, chi ama il genere lo acquisterà ad occhi chiusi e lo ascolterà con religioso silenzio, alzando al cielo la propria spada invisibile, mentre tutti gli altri borbotteranno: “…è la solita pappa”. La verità secondo me come al solito sta nel mezzo, riconoscendo loro, l’onore delle armi.

(MS)

Brighteye Brison

Brighteye Brison - Believers & Deceivers

Progress Records/ Musea

Genere: Progressive Rock

Supporto: cd - 2008

Ora mi rivolgo a chi ci segue da tempo e che ama il Prog Rock, chiedo scusa se recensisco l’ennesimo disco di un gruppo proveniente dalla Svezia. Non è colpa mia se questa terra è una fucina immensa di band dedite a queste sonorità. La cosa più incredibile è che la maggior parte di esse si ergono a livelli più che lodevoli. Vengono in mente i soliti nomi, Anglagard, Anekdoten, etc, ma anche le nuove leve , i Magic Pie, Beardfish, Black Bonzo e moltissimi altri.

I Brighteye Brison si formano nel 2000 grazie all’intuizione del leader tastierista Linus Kase, durante la frequentazione del Royal Of Music College di Stoccolma. La band si completa con Johan Oijen (chitarra), Kristofer Eng (basso), Erik Hammarstorm (batteria) e Per Hallman alle tastiere.

Le influenze sono tutte rivolte verso gli anni ’70, uno sguardo verso gli ELP, Genesis, Gentle Giant e compagnia bella. Le tastiere giocano un ruolo dunque molto importante, ma quello che salta subito all’orecchio sono gli arrangiamenti.

Ma facciamo un passo indietro, la band nel 2001 realizza il demo “4:AM”, nel 2003 è la volta del debutto discografico ufficiale dal titolo “Brighteye Brison” e nel più recente 2006 “Stories” porta lo scettro dell’album della maturità artistica.

Cosa dobbiamo attenderci dunque in questo “Believers & Deceivers”? Ovviamente tutto ciò che il Progressive ci ha propinato nella sua lunghissima esistenza. Incuranti delle mode, gli svedesi ci riportano indietro nel tempo, nella musica non commerciale, tastiere che accompagnano il brano in tutto il suo percorso, un gusto per le armonie davvero spiccato e aperto.

Cresce il piacere dell’ascolto nella successiva “After The Storm”, allegra e ritmata nei suoi sette minuti e mezzo.

Questi primi due, sono gli unici brani di breve durata, perché a seguire ci aspettano due suite, la prima si chiama “The Harvest” ed ha la durata di venti minuti e mezzo, la seconda è “The Grand Event”, con i suoi trentacinque minuti. La band ama esibirsi in coralità vocali alla Gentle Giant e queste sfiorano addirittura il plagio in “The Harvest”.

I frangenti più belli sono invece quelli strumentali, specie quando le tastiere si incrociano far di loro per poi dare spazio agli assolo di chitarra. Inutile sottolineare la bellezza di questa suite, nella quale si possono avere mille emozioni. La bellezza del Progressive Rock è proprio riassunta in questi frangenti sonori. Quando la tecnica si fonde con le migliori melodie, allora diventa tutto a dir poco ammaliante.

“The Grand Event” si apre con un organo a canne, per poi lasciare campo libero alla bella voce di Kase. La ritmica ricorda gli IQ, le coralità gli americani Spock’s Beard, c’è la psichedelica dei primi Pink Floyd, insomma tanta carne al fuoco per trentacinque minuti di imponente musica.

Il mio giudizio finale non può che essere positivo, certo che premiare nel 2008 con elogi un disco che fa musica datata può sembrare un controsenso, ma la musica quando è ben fatta non ha tempo.

Amanti del vero Progressive Rock, carta e penna e segnatevi questo nome: Brighteye Brison.

D.F.A.

D.F.A. - 4th

Monjune Records

Genere: Jazz-Prog

Supporto: cd 2008

Ne è passata d’acqua sotto i ponti dal 1991, quando a Verona Alberto De Grandis (Batteria), Luca Baldassarri (Basso) e Roberto Tommasini (Tastiere) decidono di fondare i D.F.A. .

Nel 1995 registrano il loro primo demoptape dal titolo “Trip On Metrò”, sotto la supervisione del leader dei Deus Ex Machina, Alberto Piras. I D.F.A. suonano un Prog Jazz tecnico ed orecchiabile, una musica da ascoltare a cuore aperto. L’esperienza viene con i concerti i quali forgiano la band, date con Le Orme, Il Banco Del Mutuo Soccorso, Nearfest e Baja Prog irrobustiscono l’ossatura.

I lavori realizzati sono oltre il gia citato debutto, “Lavori In Corso” (1996), “Duty Free Area” (1999), “Work In Progress Live” (2001) e proprio come ci suggerisce il titolo questo è il “4th”.

Cosa dobbiamo attenderci gia lo sappiamo e la sensazione viene confermata subito dall’iniziale “Baltasaurus”. Il basso e la chitarra disegnano melodie care ai francesi Uzeb, mentre il flauto porta il suono verso il Prog più canonico e dalle sfumature Canterburyane.

“Baltasaurus” è un brano di quasi quindici minuti, dove gli strumenti si alternano per narrarci le storie di questo pentagramma. Da solo già vale il prezzo del cd. Crea atmosfera “Flying Trip”, delicata e jazzata, una canzone che può fare da sottofondo alle vostre serate di relax.

Per alzare i toni e di conseguenza per poter battere il piede a ritmo, serve “Vietato Generalizzare”. L’Hammond di Alberto Bonomi ben duetta con la chitarra di Baldassari. In questo brano si percepisce al meglio la coesità di questa band, mai ripetitiva e dalle ampie vedute.

Ma la vera suite del disco è “Mosoq Runa”, con i suoi diciannove minuti. Apre un dolcissimo pianoforte, quasi accarezzato dalle dita e viene raggiunto dal flauto e dal Violoncello di Zoltan Szabo.

Jazz Prog d’alta classe e ricco di numerosi passaggi umorali ed emotivi. Si denotano le influenze dei famigerati anni ’70 e quindi alcuni passaggi alla Perigeo o alla Arti & Mestieri per intenderci, ma di per se questa musica gode di ottima personalità.

Non scherza neppure “The Mirror” con i suoi dieci minuti ed un fondo di folclore. La voce qui si ascolta per la prima volta ed è quella di Alberto De Grandis. La traccia sei è la conclusiva e si intitola “La Ballata De S’Isposa ‘e Mannorri”. Le voci femminili che ascoltiamo sono quelle delle Andhira, Elena Nulchis, Cristina Lanzi ed Egidiana Carta.

Un bello squarcio di mediterraneità, il dialetto sardo profuma come il suo mare.

Complimenti dunque alla Monjune per la produzione di “4th”, un disco riuscito che mi sento di consigliare a piene mani sia chi ama il Prog che a chi ama la Jazz Fusion.

Complimenti davvero.

Galleon

Galleon - Engines Of Creation

Progress Records

Genere: New Progressive Rock

Supporto: cd - 2007

Tornano I Galleon, torna il Prog degli svedesi e con loro le storie di passaggi musicali a volte semplici e a volte intricati. Un ritorno gradito dopo quattro lunghi anni dal doppio concept “From Land To Ocean”.

La musica è sempre legata al loro stile, cara al New Prog di band come gli Arena, i Marillion, ma anche molto alle tematiche anni ’70, dettate da band come Yes, Genesis e perfino dell’Hard Prog alla Rush. Molti ingredienti dunque in questo piatto, si rischia l’indigestione, ma così per fortuna non è. Questi artisti sanno legare il tutto con spiccata personalità ed una furbetta dose di melodia, più accessibile a chi di Prog non vive.

La formazione del bassista cantante Goran Fors è la stessa, segnaliamo solo l’ingresso del nuovo batterista Goran Johnsson. Le tastiere di Ulf Pettersson sono sempre presenti ed a volte salgono prepotentemente in cattedra, pur senza strafare. I brani non sono di lunga durata, solo in sporadici casi si raggiungono i nove minuti.

Gradevoli e commerciali “The Assemblers” e “Signals”, per giungere a qualcosa di più impegnato e ricco di riferimenti storici, bisogna giungere alla bella “Engines Of Creation”.

La chitarra di Sven Larsson ci regala un solo davvero tagliente, al limite del Metallo. La musica di “State Insane” ha passaggi genesiani, riconoscibili nei frangenti più delicati e corali, dove l’arpeggio di chitarra ricorda non poco Steve Hacckett, ma anche altri vigorosi ed epici.

I Galleon si cimentano in diverse categorie emozionali, a dimostrazione di un possesso di composizione davvero maturo. Nell’ora di ascolto sono davvero pochi i brani di riempimento, forse se ne poteva fare a meno di “Fog City”, ma il quartetto finale di canzoni fanno godere alla grande.

Bella la breve strumentale “The Cinnamon Hidea Way” si raggiungono poi le emozioni maggiori con “Men And Monsters”, contenete gli insegnamenti Pinkfloydiani. Ancora chitarre in evidenza con “Machine Mother”, uno dei momenti più Hard del disco, pur sempre restando nei confini del Prog prettamente melodico.

Si chiude alla grande con i nove minuti di “Lightworks”, riassunto di diverse generazioni Rock, tutte presenti in questo piccolo gioiello sonoro.

In definitiva siamo nuovamente di fronte ad un disco ottimo, ma senza picchi degni di un prodotto passato alla storia. Stiamo qui ancora una volta a parlare di un buon momento musicale, sincero e ben confezionato. Molti di voi (e qui mi ci metto anche io) si potrebbero accontentare, i più esigenti sono sicuro che storceranno il naso.

Comunque bravi.